CONCLUSIÓN DE LA ASIGNATURA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

mayo 16, 2009

En este tiempo transcurrido desde el comienzo del curso he aprendido que lo más importante es no rendirse, pues en mi caso todo lo dado en la asignatura, incluylendo los medios tecnológicos utilizados, han resultado para mi un gran esfuerzo  ponerme al día ,ya que en mis tiempos la enseñanza era la tradicional.

No dejo de comprender que  este nuevo sistema de enseñanza esta realmente bien,( la cognición, reflexión, crítica ,acomodación,  etc….),de cualquier tema a tratar y asi poderlo reaccionar con cualquier aspecto de nuestra vida.

Por otro lado considero que estamos comenzando la carrera y nos queda mucho camino por recorrer, por ello creo que se nos ha exigido más de la cuenta , la falta de experiencia en esta asignatura, el poco tiempo que hemos tenido, por lo que me gustaría otro año tenerla para poder avanzar con más soltura, aunque hora comienza mi lucha por conseguir  no solo todo lo que me ha enseñado mi profesor que es mucho, sino más y siempre más.

Tema 8

mayo 15, 2009

MAPA 8 

LA EVALUACIÓN EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA

¿ POR QUE HAY QUE EVALUAR ?

Es muy importante, al evaluar a un alumno no nos debe de servir para medir si estudian más o menos como se piensa, sino que sirve debe de servir para mejorar los procesos de aprendizaje, enseñanza, mejorar la programación adaptándola a las necesidades e inquietudes de los alumnos y sobre todo se hace para que mejorar el aprendizaje de los alumnos.

¿ PARA QUE EVALUAMOS ?

Para informar al alumno de sus progresos y a la vez para el docente ver hasta que punto han aprendido , han retenido ideas ,conceptos, pudiéndolos relacionar con otras cuestiones , para orientarle y reencaminarlo siempre hacia su zona de desarrollo próximo ( Wigosky), para que los niños comiencen a tomar iniciativa propia y aprender evaluarse a si mismos, es decir ser capaz de ser crítico.

La evaluación no es sólo un mero examen que es necesario para poder emitir una calificación, sino todo el proceso que se ha llevado a cabo a lo largo del curso, por ello es bueno hacer un currículum en espiral para ver si el proceso de asimilación del alumno es satisfactorio.

¿ CUANDO HAY QUE EVALUAR ?

Se deben dividir en momentos o fases:

Fase inicial, para conocer los conocimientos previos y así poder adecuar los nuevos sabiendo relacionarlos con otros conceptos y poder corregir sus ideas erróneas adaptando el aprendizaje a sus necesidades.

Es típico creer que con el arte se nace, pero debemos cambiar de mentalidad, pues hoy en día existen métodos que orientan y facilitan el aprendizaje artístico y por otro lado decir que el arte es subjetivo y que todos somos artistas en la medida de nuestras posibilidades.

Evaluación formativa , debe ser continuada, se le debe de explicar en todo momento al alumno lo que sucede a su alrededor , adecuar el proceso de aprendizaje a sus necesidades y adecuarlas al curriculum y para mejorar el proceso de aprendizaje si se detectara errores en él.

Además va a servir no solamente para corregir y orientar a los alumnos, sino para darnos cuenta y poder tanto docentes como proceso educativo corregir sus errores y adecuarlos a las necesidades del aula.

Evaluación sumativa; se hace como proceso de síntesis que lleva a una nota final pero siempre abierta a un posible cambió para mejorar. Permite detectar al docente el grado de aprendizaje y si se ha obtenido el objetivo marcado.

NUEVAS CONCEPCIONES DE EVALUACIÓN.

Antes lo primordial era medir, a través de exámenes duros en los que el niños debia

repetir todo como meros “papa gallos” el “rollo”, sin servirles esto para nada, pues evidente mente no lo asimilaban ya que se olvidaba.

Aprender no es repetir, sino que consiste en relacionar y acomodar conceptos e ideas con otras en la mente.

Según Fernando Hernández, hay cuatro grandes grupos:

Ser capaz de transferir los conocimientos a situaciones nuevas; es decir, lo que tu estudias puedes transcribirlo a la realidad, por ejemplo: “Chernovil”,“torres gemelas “, etc…

Debemos plantear en las aulas la necesidad de plantearnos cuestiones y problemas ante cualquier tema y encontrar soluciones para resolverlos entre todos alumnos y docentes).

Antes se le daba importancia a la repetición y memorización de los tema tratados en clase , hoy en día, aunque queda camino por recorrer, se esta intentando llevar alas aulas una forma más dinámica , participativa, de cognición , de transformación , de relación y asimilación de cualquier tema a tratar.

Con respecto las imágenes y lo visual hay que saber problematizar y estudiarlas en su complejidad ( buscar el transfondo).

Debemos tener en cuenta que la necesidad de plantearnos nuevos prbblemas ante cualquier tema dentro del aula y fuera , circunstacia de la vida, noticia, imagen y poder resolverlos sin dificultad relacionándolos con otras posibles soluciones.

Tenemos tanto los decentes como alumnos estar siempre activos pues todo los perfiles profesionales están en continuo cambio, por ello tenemos que estar al tanto de lo que ocurre al nuestro alrededor (la realidad) y plantearse cuestiones y problemas nuevos para poderlos resolver y así continuamente. Esto años atrás no era así, lo que se aprendía era para siempre sin ponernos a pensar que los tiempos cambian y tenemos que ir avanzando y resolviendo con libertad de pensamiento y de expresión las situaciones que en la vida se nos plantean.

Es decir:

No es suficiente con saber hacer determinadas cosas, sino ser capaces

Debe resolver y plantearse problemas a través de ello. Y para poder hacer esto necesitamos LIBERTAD.

¿CÓMO EVALUAR?

El docente tiene que tener en cuenta el punto de partida del alumno para valorar sus progresos e intentar fomentar su conocimientos y animar para progresar sea cual sea el nivel del alumno..

También es necesario que el alumno aprenda a hacer las cosas bien, y a manejar de la mejor manera posible herramientas y técnicas (es un adiestramiento de su motricidad fina y de su capacidad de hacer y acabar)

Pero hay que relativizar la importancia de las técnicas en sí mismas, porque lo importante es lo que se aprende con ellas, no la técnica en sí misma.

Los cuatro conceptos que señala Fernando Hernández son fundamentales para la evaluación. debemos tenerlos presentes siempre, independientemente de los criterios de evaluación concretos que estemos aplicando.

– Es tan importante el resultado de las pruebas finales, como ver si el niño ha aprendido eso de una manera adecuada.

– Finalmente los niños deben de aprender a aprender, ya que algunos de lo conocimientos que ellos necesitan para su futuro no se han creado aún.

A diferencia de otras asignaturas hay que enseñar a hacer las cosas mejor, lo que importa en si no es la técnica y la perfección, sino lo que se aprende de ella.

Y además debemos de enseñarles a discriminar la información, hacerles ver lo bueno,…

¿ QUE EVALUAMOS ?

Pero antes lo que no debemos evaluar es:

Al niño en sí, sino a sus trabajos y esfuerzos, por ello la evaluación no puede ser un “juicio final “, sino que tiene que ser continua.

Tampoco debemos utilizar la evaluación como modo de hundir al alumno, pues podemos bajar su moral, sino que tenemos que motivarlos para estimularlos para seguir luchando y conseguir sus propósitos en todo momento, pues el aprendizaje no acaba nunca.

Y sobre todo otro aspecto muy importante es como comparar los alumnos entre si, ya que lo estamos poniendo unos en contra de otros.

Un error que nunca debemos cometer es calificar y juzgar a la persona, la evaluación no es un juicio definitivo.

Lo que necesitaban ellos y necesitan nuestros alumnos son profesores que les dijeran cómo hacer las cosas, cómo mejorar, dónde se estaban equivocando, que les pusieran ejemplos de cosas bien hechas.

Maestros y maestras que utilizaran la evaluación como medio de mejora del alumno, no como amenaza

¿Qué modelo de Educación estamos implementando?

Lo primero es saber realmente qué queremos que aprendan los alumnos.

¿Qué modelo de Educación Artística usamos? ¿El de dominio del dibujo, el de autoexpresión, el del lenguaje visual, el de comprensión crítica, una mezcla de varios de ellos…?

Cuando sabemos qué es lo que queremos que los niños aprendan podemos establecer los criterios de evaluación oportunos.

Pensar antes qué y para qué queremos enseñar, y en función de eso establecer los criterios de valoración.

¿Qué criterios de evaluación  podemos usar?

Competencias generales y criterios básicos (como los de Fernando Hernández)

Atender los criterios de evaluación que vienen en la ley, en el diseño curricular.

Completarlos en nuestra programación con criterios de evaluación y calificación más concretos y adaptados a nuestros alumnos y nuestro contexto: éstos los fijamos nosotros. los docentes

Matizarlos y complementarlos con las indicaciones que sobre evaluación nos dan los especialistas en la materia: a través de libros, congresos, cursos, etcétera

Los objetivos y criterios de evaluación tienen que estar acorde con el nivel educativo, la edad, el contexto y alumno.

Por ejemplo, colorear libremente una lámina con sus personajes favoritos puede ser un excelente ejercicio para un niño de infantil, pero aburrido para uno de tercer ciclo de primaria.

Del mismo modo un ejercicio de colorear más complejo puede ser inasequible para niños muy pequeños y ser adecuado para uno mayor.

Didujo realizado por un niño de trece años.

Es preciso adaptarse a su nivel de desarrollo cuando fijemos los criterios de evaluación .porque hizo este alumno este dibujo. Este dibujo esta realizado por un niño Afgano en la época taliban, con este dibujo el revela la necesidad  y  derechos que todos tenemos  a tener  una alimentación, una casa y atención médica.

Para adaptarnos a los contenidos y objetivos de cada momento, deberemos priorizar unos criterios sobre otros :

Por ejemplo, si los alumnos hacen dibujos para ilustrar conocimientos que están adquiriendo sobre algo, o para contar una historia, entonces serán más importantes los aspectos narrativos que la perfección técnica

Los criterios que utilicemos tienen que ser flexibles, para que puedan abarcar las distintas individualidades de nuestros alumnos y también las distintas culturas de las que parten y a las que pertenecen

Muchos aspectos son bastante difíciles de valorar

Podemos distinguir dos maneras de evaluar:

-A través de un examen ( manera convencional).

-Con la utilización de un diario en el cual  el alumno y profesor anoten lo que van aprendiendo

Tenemos que ser conscientes de que nuestro juicio sobre muchas de las cosas que apreciamos depende de nuestro gusto nuestro gusto no puede ser el criterio de evaluación que

 apliquemos, porque es radicalmente injusto, eso es muy importante tener claros los objetivos que perseguimos, los criterios de evaluación que aplicaremos y aclarar a partir de que

argumentos y razones se valora la calidad.

Es importante que los alumnos conozcan cómo se juzgan las obras de los adultos, y también qué argumentos o qué razones pueden tener en cuenta a la hora de evaluar/juzgar sus propias obras .

¿Qué debemos conocer de una obra?

El guernica (Picasso)

Datos, hechos, conceptos y procedimientos de una obra.

Por eso:

-Establecer claramente los criterios de evaluación

-Establecer claramente la jerarquía de los criterios de evaluación (es decir cuáles son más importantes)

Establecer su relación con otros aspectos del proceso educativo (por ejemplo, si además de la triada armónica estamos contemplando aspectos de composición, uso de la técnica, adecuación de la obra al tema, creatividad , etc)

En Educación artística los objetivos son “abiertos” (“expresivos”), porque sabemos hacia donde queremos que los alumnos vayan, pero no exactamente qué van a conseguir, por ello una de las cosas a tener en cuenta son para evaluar son las es también algo complicado.

Es muy complejo evaluar y calificar las actitudes de un alumno

Debemos evaluar aspectos actitudinales generales como: la perseverancia, el interés, el esfuerzo, la solidaridad con los compañeros, la convivencia, etc.

Y también actitudes específicas de la Educación Artística

Algunas actitudes :

Capacidad de análisis y comprensión crítica de la realidad, y específicamente de las artes visuales

Actitud investigadora, de búsqueda activa, sobre todos los ámbitos de la visualidad: a través de lo cotidiano y también del cine, los museos, libros de arte, internet, etc.

Pero el aspecto actitudinal tal vez más conocido y a la vez complejo en educación artística es el de la creatividad, para ello debemos utilizar todo tipo actividades y estrategias para fomentarla.

Fundamentalmente hay dos maneras de evaluar:

Evaluando mediante instrumentos puntuales: exámenes, cuestionarios, entrevistas, etc. que nos van arrojando una serie de “hitos”, con respecto a los cuales valoraremos el proceso

Evaluando mediante instrumentos que recogen el proceso en su devenir (llamados “biográficos”): los más conocidos son el diario del profesor y el diario de los alumnos. Recogen el

proceso de una manera más completa pero suponen una notable carga de trabajo

 adicional para el docente. El portafolio es un instrumento que también recoge el proceso completo y permite una reconstrucción del proceso seguido y del aprendizaje.

¿Por qué son tan importantes las obras de los alumnos ?

Haciendo obras de arte los escolares, aprenden a mirar, pensar y trabajar como productores de imágenes, no sólo como espectadores, y esto enriquece mucho su comprensión y les puede ayudar a adquirir una actitud autocrítica positiva. (siempre desde un nivel adecuado a su edad)

¿Por qué son tan importantes las obras propias que realizan los alumnos?

Facilitan a los alumnos que disfruten, jueguen, el ejercicio para el desarrollo destrezas (como las motoras), y especialmente es una excelente modo de aprender maneras distintas de expresarse , comunicarse y un excelente modo de trabajar en la construcción de su identidad .

Tienen enorme importancia el lenguaje en educación artística .Lacomprensión de lo Visual y Plástico no puede ser sólo a través de producciones plásticas y visuales.

Es importante reivindicar el papel del lenguaje, oral y escrito, en Educación Artística.

Aunque el lenguaje no puede (ni debe) sustituir determinados aspectos de la visualidad (como el color) es imprescindible para el análisis, contraste y reflexión crítica sobre imágenes y obras de arte, en los procesos de contextualización de las mismas, etc.

Procedimientos de la evaluación.

Durante una unidad didáctica, la evaluación del proceso de aprendizaje se llevará a cabo de la siguiente manera:

Evaluación inicial: para tener informaciones, ideas o capacidades previas que tienen nuestros alumnos. También nos puede servir para organizar y planificar la enseñanza.

Evaluación formativa: que se llevará a cabo durante el proceso de enseñanza-aprendizaje y nos sirve para ver el desarrollo del mismo, tanto los aspectos positivos como los negativos. Esto nos permitirá observar si los alumnos van consiguiendo los objetivos que hemos propuesto.

Evaluación final: que nos va a permitir saber si los alumnos han conseguido los objetivos planteados al finalizar la unidad didáctica. También podremos saber en este momento cómo ha sido nuestra labor docente durante la unidad, aprendiendo de los errores cometidos y repitiendo aquello que nos ha ido bien.

Los alumnos deben conocer los resultados de su aprendizaje, para que sepan el por qué y para qué del trabajo que realizan. Es  labor  del docente comunicárselos para que ganen interés y confianza en su aprendizaje.

CRITERIOS DE EVALUACIÓN SEGÚN LA LOE : TERCER CICLO DE EDUCACIÓN PRIMARIA

1. Buscar, seleccionar y organizar informaciones sobre manifestaciones artísticas del patrimonio cultural propio y de otras culturas, de acontecimientos, creadores y profesionales

relacionados con las artes plásticas y la música.

 

2. Formular opiniones acerca de las manifestaciones artísticas a las que se accede demostrando el conocimiento que se tiene de las mismas y una inclinación personal para satisfacer el

 

disfrute y llenar el tiempo de ocio.

 

6. Realizar representaciones plásticas de forma cooperativa que impliquen organización espacial, uso de materiales diversos y aplicación de diferentes técnicas.

 

7. Comprobar las posibilidades de materiales, texturas, formas y colores aplicados sobre diferentes soportes

 

8. Representar de forma personal ideas, acciones y situaciones valiéndose de los recursos que el lenguaje plástico y visual proporciona.

 

9.Utilizar de manera adecuada distintas tecnologías de la información y la comunicación para la creación de producciones plásticas y musicales sencillas.

 

 

 

 BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

Real decreto LOE

Apuntes de clase

WWW.aula.josepedro.es

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

TEMA 7

mayo 15, 2009

TEMA.7 

MODELOS DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Siempre hemos entendido que la educación artística era el arte de aprender simplemente a dibujar, pero en realidad dicha materia tiene gran importancia en todos los aspectos de la vida.

 La educación artística es una asignatura a la que no se le da la importancia que realmente tiene, ya no solo a nivel del curriculum en instituciones educativas, sino  incluso en cualquier situación de la vida cotidiana de una persona.

El dibujo no es algo meramente para relajarse , contemplar y divertirse, sino que debemos darle la importacia que se merece,  por ejemplo, a la hora de entender a un niño que aún no sabe expresar  o no tan niño pero le da miedo mostrarse como es con palabras  lo que  ronda por su mente, bien sea miedo , cariño, etc…, el dibujo es un instrumento necesario para los adultos entender como piensan,  sienten, que inquietudes tienen,  que les gusta ,es decir, es importante en todas las edades para expresarse y comprender.

En educación artística hay muchos métodos para utilizar, pero me centraré en cuatro de ellos:

1º- Educación artística  (E.A.) relacionada con el sistema productivo.

Surge en el siglo XVII como consecuencia de la Revolución Industrial, por tal acontecimiento comienza a necesitarse personas capacitadas en dibujo técnico (planos, mapas……)

En esta época los grandes artistas era considerados personas ecepcianales, admirados y prodigiosos.

Este modelo de educación a la hora de llevar a la práctica en los colegios  nos es demasiado eficaz en los primeros años de escolaridad, pero es interesante en edades más avanzadas ( sobre los 11 años aprox.) tenerlo en cuenta en materias más especializadas .

HAY MUCHAS FORMAS DE MIRAR Y HACER ARTE.

Imágenes del Baticano

    

2º- Otro de los modelos  E.A. va enfocado hacia la creatividad y autoexpresión.

  Este modelo de  la autoexpresión se basaba  en los nuevos modos de pintar  vanguardista y  mitos como  Van Gogh, que se suponía que era un pintor casi autodidacta.También se basa en el descubrimiento de arte infantil.

Cuadros de Van Gogh

 

Didujo infantil

En la actualidad en algunos  colegios al dibujo no se le da la importancia que tiene, pues si un niño /a ,dependiendo siempre de la edad que tengan, lo realizan por mera dirversión, se miran porque  son originales o creativos ,pero el profesor no se para a pensar que quieren los alumnos transmitir  en ocasiones a través de él.

El dibujo infantil es importantísimo y en muchas ocasiones no  se trata de realizar algo creativo o espontáneo sino como estereotipos.Una de las misiones  del docente es intentar averiguar si hay algún trasfondo detrás de un dibujo realizado por  el alumno y  si lo hubiera  intentar solucionar el problema o si el dibujo por el contrario manifiesta algo innovador aprovecharlo para ampliar el curriculum .

En este modelo  decimos que los dibujos que realizan los alumnos son  fruto de la espontaneidad, pues se podría prescindir del profesor en este caso, pero la realidad es todo lo contrario, pues el docente tiene una labor muy importante  como la de orientar, guiar , ayudar a interpretar y ver más de lo que a primera vista  se ve. Por ello se cuestiona nuevas ideas que aporta a este modelo  y enfocarlas de otra forma siempre para mejorar.s

En el capítulo dos del libro de Ricardo Marín se dice quel dibujo infantil  no debe considerarse como imagen defectuosa y de entretenimiento ,sino como forma de expresión propia , acorde y con su manera de ser y de concebir el mundo el niño/a .Entre los rasgos definitorios del dibujo infantil se encuentran los siguientes:

-El principio de aplicación múltiple: por el que una misma forma pueden representar muchas cosas diferentes (utilización del código binario).Ejemplo, una forma circular puede representar el sol, la cabeza de una persona, etc…

– El principio de la línea de base: línea horizontal que cruza el dibujo de parte a parte de la zona inferior, para sostener el dibujo( animales, personajes, etc…)

-El principio de perpendicularidad: la relación el objeto y base en la que se apoya es perpendicular, sea cual sea la orientación espacial de la base.

-El principio de la importancia del tamaño: la figura u objeto principal deben ser de tamaño mayor a los secundarios.

-El principio de aislamiento: se utiliza para representar un conjunto de elementos similares, ejemplo el pelo de una figura humana.

-El principio  del imperativo territorial: cada elemento que aparece en el dibujo tiene su espacio propio , en el dibujo infantil es difícil que aparezcan solapes o superposiciones. Ejemplo, un sombrero en la cabeza de un hombre son tangentes al pelo y está  introducido en la cabeza .

-El principio de la forma ejemplar: de entre los posibles modos de representar un objeto se elegirá el que mejor describa sus principales cualidades visuales.

-El principio de abatimiento

-El principio de visión de rayos X : se refiere cuado el niño quiere dibujar el interior por ejemplo de una casa , suprime las paredes y solo pinta los detalles del interior.

Los estudios evolutivos durante final del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX.

A finales del siglo XIX  surgieron las primeras clasificaciones de la evolución del dibujo infantil .

Con respecto al dibujo sus sentidos, significados y su desarrollo, cuestiones importantísimas en Educación Artística , quisiera  resaltar los estudios del cognitivista Piaget y de otros investigadores pioneros sobre el dibujo infantil, reflejados en el capítulo dos “El dibujo infantil: imágenes, relatos y descubrimiento simbólico” del  libro de Ricardo Marín Viadel:

Según Pieget los divide en tres estadios:

-Realismo  Fortuito (de  2 a 3 años aprox.) y realismo  frustrado ( de 3 a 6 años aprox. ): etapa del garabato y dibujo espontáneo, pues el niño no tiene suficiente control  sicomotriz. 

-Realismo intelectual ( de 6 a 12 años aprox.): retrocede la espontaneidad.

-Realismo visual ( a partir de los 12 años): representación espacial
 
 
 
 

 

Entre los investigadores más conocidos  están:

-James Sully.

 Distinguía tres fases: el garabato, el dibujo rudimentario de la figura humana con cara redonda y estadio evolucionado y adquisición de técnica.

Herman Lukens.

Divide en cuatro etapas: el niño  se interesa por el resultado de su gesto, se interesa por el resultado de su dibujo, nace el sentido crítico y  el niño consigue en sus dibujos valores expresivos autónomos.

Georg Kerschenteiner.

Proponía tres periodos evolutivos: dibujos esquemáticos, dibujos según la apariencia visual  y dibujos en los que el niño intenta dar la impresión tridimensional del espacio. 

Rouma.

Se intereso principalmente por la fase inicial (el garabato). En primer lugar decía que en un primer momento el niño adopta la mano al instrumento, en un segundo paso el niño traza líneas, posteriormente anuncia por anticipado lo  que intenta representar y por último el niño observa una semejanza entre las líneas que ha obtenido por azar y ciertos objetos. Representaciones figurativas del dibujo.

Henri Luquet.

Distinguió cinco etapas:   la denominó  “pre- dibujo” (los garabatos),   Realismo fortuito, Realismo fallido, Realismo intelectual,  Realismo visual.

 Entrados  el siglo XX  destaca la clasificación por etapas de Viktor Lowenfeld.

 Su clasificación por etapas  la carasterizó de acuerdo con cuatro categorias fundamentales ( características generales, modos típicos de representar la figura humana, cómo se resuelve el espacio  y  como se organiza el color).

Las etapas son :

 1º El garabato ( 2- 4 años),  Preesquemática (4- 7  años),  Esquemática 7- 9 años),  Principio del realismo ( 9- 11 años),   Seudorrealista ( 11- 13 años)  y  Desición ( 13 -17 años).

 Estudios evolutivos durante la segunda parte del siglo XX .

Estos estudios sobre el dibujo infantil reorientaron sus puntos de vista e intereses debido al cambio en los enfoques, pues asta entoces se había buscado los rasgos comunes y generales de los niños de cualquier época o cultura, ahora el interés se centran en las características peculiares de cada contexto y situación particular.

En estos estudios se tienen en cuenta las influencias culturales, por lo tanto los sentidos, significados y valores que adquieren las actividades artísticas que realizan los escolares estan influidos por los contextos culturales. por ejemplo los dibujos de niños de cultura europea tienen relaciones distintas de los de niños de cultura china. 

Investigaciones sobre el dibujo infantil.

El dibujo infantil se puede clasificar en tres enfoques de investigaciones:

Enfoques:                                                      

1º – El dibujo como manifestación de la personalidad, la inteligencia y cualquier rasgo o capacidad de la persona.

2º- El dibujo y el arte infantil.

3º- El aprendizaje y la enseñanza del dibujo.         

Tambien quisiera para concluir con los investigadores , nombrar a Paul Duncum, el cual propuso un esquema de diez tipos para clasificar las estrategias narrativas que utilizan los niños en sus dibujos espontáneos:

Acción Narrativa: los trazos, líneas o garabatos que aparecen en el dibujo representan una acción o consecuencia de acontecimientos.

Acción Física : se trata de dibujos realizados por niños de dos y tres años  y se trata de un juego.

Superposición:Por ejemplo el dibujo de una batalla en el que el niño va dibujando una encima de otro las fases de la batalla.

Repetición: en estos didujos hay escenas que no cambian y otras se dibujan los personajes como escenas tenga la historia.

Yustaposición: contraria a la anterior.

Evento Gráfico: dibujos en los que sucede cualquier tipo de acción en luna  escena determinada pues bien porque al niño le gusta , le hace ilusión o le ha inpactado.

Evento Secuencia: escena del dibujo abarca aspectos más amplios

Evento simultáneo: en un solo dibujo aparecen varios eventos, relacionadeos en el espacio, pero no en el tiempo.

Objetos Separados: toda secuencia narrativa se halla representada por un solo elemento, figurao personaje. esta estrategia es típica de niños mayores.

3º- Modelo de E. A.   para el desarrollo de la Percepción  y la Alfabetización Visual:

Este modelo aparece  en España con la LOE  y esto en parte es debido   a la traducción de libros anglosajones, sin embargo en otros países se llevó a  la práctica sobre los años  70- 80 Aprox. Por  tal motivo los jóvenes de estos países que con antelación la han aplicado en las aulas de sus colegios nos llevan la delantera a los españoles a la hora de ver e interpreta una imagen, por consiguiente tenemos los docentes españoles llevar a la práctica la E.A. en las aulas .

Este modelo no es perfecto del todo pues hace que las personas utilicen las imágenes como consumo de ideas para construir una realidad a través de la imagen que no es del todo real.

Una imagen si no conocemos su contesto es difícil de leer e  interpretar, el lenguaje visual es útil  a simple vista si lo que pretendemos es mostrar por ejemplo una lata de tomate, pero si lo que pretendemos por el contrario es que nos fijemos en la foto ( ¿quien la creo ?, ¿es pintura o foto ?,    ¿por que el formato, color, posición etc… de la imagen es diferente?) debemos indagar y no quedarnos con ver.

Todas son imágenes de la lata de tomate, pero a la vez son distintas y  quieren decir cosas diferentes. En la primera imagen lo más destacado es la marca de la lata del tomate y por ejemplo en la última imagen  aparece la lata pero lo que se anuncia es la obra Warhol.

         

4º- Modelo de E.A. para la comprensión Crítica  y Performativa de la Cultura Visual :

En este modelo lo que  se pretende es ser significativo, es decir, que el tema qe se aborde tenga sentido e interés para el alumno, pues la mayoría de  de los temas planteados no motivan,  ni les dicen nada concreto de la realidad que es para lo debeían los docentes plantear en el cirriculum ; temas  realacionados con la realidad y asi también relacionarlos con otras cuestiones de interés para los alumnos.

En este modelo lo que se pretende es motivar al alumno a ser investigador, a tener iniciativa , a trabajar en equipo, a relacionar conceptos, etc…. Es muy importante el buen entendimiento ente profesor- alunmo, pues de ello va a depender el que se puedan negociar entre todos los temas  a tratar  e incluir en el curriculum. Es muy importante la lluvia de ideas ente todos, ( es decir plantear temas entre todos y  coger los de mayor interés, siempre dirigidos por el profesor que debe dejar que los alumnos investiguen y resuelvan sus problemas por ellos mismos, ojo pero siempre guiados y supervisados por el docente. Lo importante es saber  y utilizar de forma correcta lo que el alumno sabe.

La tarea de toda escuela es ayudar a los niños/as a ser ciudadanos libres, autónomos , capadez de pensar, de decidir y de dirigir y escrivir sus propias vidas.  no deben ser marionetas  sin pensar si lo que otros dicen o hacen es lo cierto.

LA EDUCACIÓN EN ARTES VISUALES ES FASCINANTE.

Este modelo podemos utilizar cualquier imagen, pues todas son validas para interpreta y ver que hay detrás de ellas y que se pretende mostrar a través de una imagen.

Obra de Sara León ( persona frustrada)

Imagen realizada en Pompeya

Este modelo es el más adecuado para trabajar en el aula, pero de los tres anteriores citados podemos sacar cosa positivas.

Es importante que la idea que un alumno tenga se le preste atención, se le escuche , se le anime a crear y a pensar más sobre ella, por ello es muy importante  trabajar con los alumnos la espontaneidad  y  creatividad. 

La labor del docente ante una idea, un tema , información, obra de arte, una imagen, etc…, es conseguir que un alumno piense, deduzca, dude, relacione conceptos y pueda ampliar información reteniéndola en sus mentes para siempre y así poder estar siempre relacionando, añadiendo y aportando nuevas ideas e información continuamente.Con esto lo que pretendo es que intentemos llevar a la práctica lo que Vygoski denominó  como zona  de desarrollo próximo, no solo en los colegios, institutos, universidades, sino en todo los aspectos de la vida de la personas tengan la edad que tengan.

En la actualidad en España el modelo más utilizado es el de  E. A.   para el desarrollo de la Percepción  y la Alfabetización Visual.

El  último modelo   E.A. para la comprensión Crítica  y Performativa de la Cultura Visual, en mi opinión es muy interesante y considero satisfactorio y beneficioso para el curriculum de los colegios , para los docentes y sobre todo para los alumnos. Al trabajar con proyectos de trabajo ( modelo investigador), los alumnos no dependerán sólo del maestro sino que ellos por su cuenta serán capaces de investigar y averiguar soluciones a los temas o problemas planteados y a los nuevos temas y problemas que surjan derivados del anterior, además se lleva a cabo un enfoque globalizador ( relacionar las distintas asignaturas), con todo esto se puede conseguir que los alumnos sean autónomos y al a la vez trabajen en equipo , creen su propia opinión y valoren la de otros, sean críticos de si mismo y de los demás y no conformarse con una sola idea, opinión, etc….Con respecto al docente se convierte en guía  y supervisor de los pasos que siguen sus alumnos y además se enriquece  con las  propuestas innovadoras de sus alumnos  y como vemos si de un tema salen varios el curriculum aumenta y se enriquece. Este modelo es uno de los que presenta Fernando Hernández en su libro “Espigador@s de la Cultura Visual” 

 

 

Bibliografía y  Webgrafía

Tema 2 del  libro Ricardo Marín Viadel: Didáctica de la Educación Artística.

Powerpoint de clase y apuntes.

Real Decreto de la LOE

Libro Espigador@s de  la Cultura Visual de Fernando Hernández.

TEMA 6

mayo 15, 2009

mapa 6 

UNIDAD DIDÁCTICA: tercer ciclo primaria 

 

OBJETIVOS:

– Aprender a observar y verbalizar el contenido de una imagen a nivel denotativo (lo que veo) y a nivel connotativo (lo que me sugiere por mis experiencias, mi cultura, mi imaginación…)

-El objetivo de enseñar arte es contribuir a la comprensión del paisaje social y cultural en el que habita cada individuo y puedan ser criticos.

-Distinguir a un artista por las características de su estilo y la complejidad de las obras de arte.

-Conocer la los distintos tipos de imágenes, el beneficio y las repercusiones que estas puedan ocasionar.

-Conocer la variedad de canales de difusión y saber quien los controla.

-El alumnado tendrá que pensar, reflexionar e imaginar teorías y situaciones que permitan comprender los principales aspectos sobre la vida.

-Participar con respeto y tolerancia en distintas actividades , evitando discriminaciones y aceptando las reglas establecidas, resolviendo los conflictos mediante el diálogo y la mediación.

CONTENIDOS:

-Apreciación de las diferentes manifestaciones artísticas.

-Lectura y comprensión de las distintas interpretaciones de una obra, imagen..

– Iniciación al criterio estético.

-Conocer concepto de hiper- realidad.

-Valoración estética

-Conocer canales de difusión.

-Estrategias cognitivas y meta cognitivas. Programas de intervención cognitiva y enseñar a pensar. La expresión plástica. El mundo creativo y expresivo del niño. Contenidos, recursos

didácticos y materiales para la educación artística.

ACTIVIDADES:

-Escribir un texto para construir un itinerario propio, pero fundamentado, por los referentes y problemáticas abordados.

-Construir un glosario colectivo.

-Los alumnos deberán realizar en pequeños grupos una actividad de puesta en práctica de alguna de las metodologías en la que ponga a prueba sus posibilidades y que se

presentará al grupo para su debate.

-Como conclusión de las actividades a realizar por parte del alumnado, tendrán que realizar un pequeño proyecto de desarrollo práctico en relación con lo discutido y presentado en el curso.

EVALUACIÓN:

Contínua, para ver los progresos de los alumnos.

 

TEMA 6.A : LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO.

Las interpretaciones nunca van ser correctas, sino que cada una va a tener su propia interpretación y todas pueden ser correctas, por eso no todas deben ser iguales

pues entonces no tendrían sentido ya que no tendrían críticas, los niños se convertirí en meros “ papa gallos”.

Aunque los niños tengan una idea errónea, hay que dejarlos que hablen y expresen con libertad sus ideas, ya que si no los dejamos seguirán con ese error.

Y por eso en la escuela no debemos seguir el libro paso a paso, si no que este se convierta en un apoyo y lo que tenemos que hacer buscar interpretaciones y soluciones entre alumnos-

profesores ante cualquier idea ,concepto, imagen……

Ya que no hay una única manera de entender la realidad, como ocurre con el arte en el que cada uno puede ver una cosa distinta.

Las materias que se den tienen que tener una estructura clara y constante, por el contrario las materias mal estructuradas para comprender los es adecuado el estudio de casos concretos.

Las artes son materia mal estructuradas ya que no son iguales que las matemáticas que tienen varias formas y a partir de hay haces siempre lo mismo.

Sin embargo, con la historia y el arte ocurre totalmente lo contrario. Ya que hay que conocer lo que ha ocurrido antes para entenderla.

Pero en otras se van a hacer estudios de casos, como por ejemplo en medicina,  se estudia un caso y ese se va aplicando a otros los cuales no son todos iguales.

Además también, sabemos que el conocimiento es complejo, el problema de la escuela es que seguimos con las estructuras del siglo XIX, en donde había los

conocimientos precisos y no se indagaba en los temas ,sino que te daban explicaciones que eran siempre correctas aunque esto no fuera así, esto a partir del siglo XXI ha cambiado.

Por eso nos tenemos que acostumbrar a construir nuestro conocimiento propio y no seguir paso a paso los libros por que no todo lo que dicen los libros es verdad.

El conocimiento es complejo pues cada uno somos y vemos cosas distintas, por que nosotros lo único que vemos es el exterior y es importante conocer el contexto histórico en el que

cada uno vive y aún así con todo esto no lo vamos a conocer, si no que necesitamos algo,  su historia y aunque tengamos todos estos datos cada uno vamos a ser

nosotros mismos. Por eso hablamos que la realidad es compleja, sin embargo, la escuela tiende a ofrecer explicaciones sencillas para hacerla comprensible.

Al la hora de analizar otra cultura también tenemos que ver su contexto.

Es importante saber también que las artes tiene valor cognitivo, por ello vamos a tener varios argumentos para estudiar el valor cognitivo gracias al autor Efland.

Efland establece cuatro argumentos cognitivos en favor de las artes, estos son:

-Argumento de la flexibilidad cognitiva

-Argumento de la integración del conocimiento

-Argumento de la imaginación

-Argumento estético

 

Argumento de flexibilidad cognitiva:

Campo abierto a análisis complejos.

 

No importa tanto la obra en sí, como su capacidad para aprender a partir y a través suya.

 

Promover la capacidad para construir interpretaciones y abordar los problemas desde supuestos distintos

 

Interpretación de conocimiento.

 

Contextualiza e integra en distintos campos.

 

Constituye hitos cognitivos para que el alumnado tejan sus mapas de comprensión y conocimiento.

 

La realidad, no se puede analizar desde un solo punto de vista, depende muchos factores ( la persona , el tiempo, la historia….).

 

La imaginación ayuda a establecer conexiones, , resolver problemas, etc.

Aquí lo importante es que los niños no aprendan las características de las imágenes de memoria, sino que aprendan a verlas y sacarles provecho.

Uno de los problemas que existe en la escuela es la falta de imaginación, que  hacen que los niños no sean creativos. Esto vuelve a las escuelas gracias a las

clases de plástica. Los seres humanos están obsesionados con la estética, se creen que es lo más bello.

Por eso decimos que las obras de arte son motores de aprendizaje, ya que le va a dar mucha riqueza a las clases.

Hay algunos conceptos elementales que son parecidos en todas las obras: dinámica de las formas, del color, etcaci

 

Las Artes y lo Visual abren el conocimiento en muchas direcciones distinta. Motores de aprendizaje muy potentes.

Pero hay muchos aspectos muy diferentes: estudiar la pintura de Velázquez no es igual que estudiar la de Miró o estudiar un anuncio de Levis. Por eso el estudio en profundidad de “casos

tipo” es lo que mejor nos enseña a comprender y utilizar el arte.

Lo que vamos a tratar es que los niños den su propia opinión crítica, que se cuestionen las cosas y ver que de todas estas hay muchas cosas detrás.

Un objetivo importante podría ser que los niños relacionen lo que ven con ellos mismos y su entorno.

Nos interesa acostumbrarnos a trabajar con las imágenes buscando interpretaciones complejas, en las que tengamos en cuenta cuantos más aspectos mejor.

De esa manera comprenderemos más cosas y no nos conformaremos con las explicaciones que otras personas han fabricado para que nosotros las creamos.

Evitar las respuestas fáciles y buscar preguntas complejas: interrogantes difíciles de contestar, que animan a buscar para encontrar información.

Distintas imágenes sobre los tamas anteriormente tratados:

   

TEMA 6 B: ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL:

TIPO DE IMÁGENES

Las imágenes como representación de la realidad

Nosotros con este subtítulo que da comienzo al tema podemos por una parte estar de acuerdo y por otra no, pues a través de la imágenes podemos representar la realidad

y con la palabras es más difícil situarla y aunque como he dicho antes representan la realidad también es cierto que es difícil representarla a través de la imágenes ya que

la realidad es algo abstracto.

Estas imágenes pueden ser más o menos parecida a la realidad, pero nunca una representación exacta. Dependiendo de que estas representaciones se parezcan a la realidad; nos vamos a encontrar con varios tipos de imágenes. Si esta se parecen mucho a la realidad, se llaman hiperrealismo.

 Nosotros al ver estas imágenes creemos que son realidad debido a su perfección.

Y por el contrario si nos encontramos con imágenes que se parecen poco a la realidad, entonces hablamos de abstracción. Nos podemos encontrar con algunos tipos

de abstracción: orgánico, geométrico, gestual, action painting.

Pero aunque hemos hablado de dos temas totalmente opuestos como hiperrealismo y abstracción; entre los dos podemos encontrar y posibilidad intermedia, estas son:

Pintura en la que la expresividad del color y la pincelada se fomenta. Aunque estopueda resultar abstracto, lo que representa es real.

  

La escultura idealista a través de la cual se representa la proporciones del cuerpo humano aunque su objetivo es buscar la perfección .

 

Pintura en la que destacan las líneas del movimiento, esto la verdad es que esta casi en el lado opuesto del hiperrealismo, es decir, en la abstracción ya que es más

complicado conocer la realidad.

La representación esquemática de personas. Además de ver si las imágenes son hiper-relistas y abstractas vamos a ver una serie de tipos de imágenes dependiendo

de su función:

Imágenes informativas.

Son las que nos van a informar, nosotros nada mas verla la vamos a reconocer y saber lo que nos quieren decir. Dentro de este tipo nos podemos encontrar concepciones

 imágenes: científica, técnica, identificadoras, explicativas, etc.

Otro tipo de imágenes .

Dentro de este tipo nos podemos encontrar imágenes de tipo ornamental, conmemorativas, de publicidad, entretenimiento…

 

Imágenes “ obras de arte “

Arte como ya se ha dicho puede ser muchas cosas, va a depender de quien sea el que las mire, en el contexto el que se encuentren …

Ha sido infinidades de veces las que se han querido definir la palabra arte,una veces  según la técnica, otras su calidad, su función ect. Pero una definición exacta es complicado,

ya que arte va ser mayormente consenso social.

Y por que decimos que es un consenso social, por ejemplo si cogemos la figura de Papa Noel , nosotros en realidad sabemos que no existe pero se ha echo un tópico y

una celebración.

Pero no solo ocurre con los personajes sino que también con los monumentos como el de la siete maravillas del mundo que no para todo el mundo son las siete maravillas.

Ya para terminar debemos decir, que el arte no siempre ha tenido el mismo significado, ya que con el arte podemos decorar, narrar, investigar, educar, etc…

Por ello el arte tiene que estar presente en nuestras vidadas, para dar sentido a todo lo que nos rodea; en definitiva es un medio más de comunicación el cual nos debe de servir para

comprender y comprendernos, esto tenemos que hacer que el alumno lo tenga presente.

 

TEMA 6 C . ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL. CANALES DE DIFUSIÓN.

El mito del genio se construye en el siglo XVI y se pone a funcionar en el S. XVIII, los artistas son personas que traen que nacen con un “don”, se les consideran privilegiados y tienen poder.

El pintor en esta época es un profesional libre , pues antes era siervo y tenían que hacer lo que las personas influyentes ( nobles….) querían.

El ciclo habitual de distribución de arte dice que al artista no se le discute, sino que hay que estar de acuerdo con él, a esto se le llama discurso de poder.

Los canales de información con respecto a la trasmision de arte  pueden ser varios, museos, galerias,…..

El galerista , es el que negocia creándose un circulo y así se favorecen artista y mediador ganando más dinero.

Es importante tener en cuenta que la mayoría de los canales de distribución de imágenes están controlados por poderes y empresas, y el bombardeo de imágenes a que

somos sometidos por la sociedad de la información escapa a nuestro alcance.

El control de los canales lo tienen en mayoría el grupo prisa y el grupo planeta.

   

Tenemos que tener en cuenta que  las imágenes son poderosa e influentes en nuestra vida cotidiana , nos manipulan constantemente sino las  sabemos interpretar correctamente.

Con los niños y Jóvenes en la sociedad en la que vivimos tenemos que estar al tanto de todo lo que acurre alrededor, pues con los nuevos canales de difusión como por  ejemplo es el tuenti, son ellos mismo quien esponen su vida con imágenes perjudican su intimidad.

 

Bibliografía y webgrafía:

Pesentaciones de clase y apuntes. 

www.aula.josepedro.es

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

TEMA 5

febrero 4, 2009

 

 VISUALIDAD E IDENTIDAD. VISUALIDAD Y NARRATIVIDAD.

En nuestros juicios estéticos infliyen otras personas, no somos la mayoria de las veces libres de elejir.

Los imaginarios cambian.

Las imágenes se alimentan otras anteriores.

Las imagenes condicionan nuestra forma de hablar.

Es importante tener en cuenta que los imaginarios, al igual que infuyen en nosotros, también influyen en los alumnos.

 

 Nuestro imaginario nos lleva a ver y pensar de una determinada manera.

2. La identidad es uno de los aspectos que podemos utilizar para trabajar en la escuela.

¿En que lugar nos sitúan las imágenes?

¿Cómo nos cambian?

¿Cómo nos manipulan?

Muchas veces no estamos de acuerdo con algunas imágenes, pero para no quedar mal ante nuestro entorno, decimos que nos parecen interesantes.

Nuestra forma de ver el mundo ha sido mediatizada y condicionada en gran medida por una imagen en un momento dado, pues así lo ha concevido la persona que realiza la imagen, un cuadro, etc….  

El mundo de antes.              El mundo es un juego .            

 

Es reir y hacer reir.                            Es llorar.

    

 Los imaginarios cambian constantemente, esto es debido a que los tiempos cambian y con ello la manera de ver, influye el momento en el que se desarrollan y los lugares en los que suceden las historias, imágenes, como pueden tener contextos distintos para unas personas y semejantes para otras. Los imaginarios que utilizamos en la actualidad  ya han estado presentes en otros momentos de la historia.

LAS IMÁGENES, EL ARTE, ETC…

Las imágenes, el arte, son influenciadas por los imaginarios que acontecen en el momento que son y fueron creadas .También influyen el momento en el que son transformadas, restauradas por otros e incluso expuestas al público.

Cada persona tiene una manera distinta  de mirar, concebir, realizar, por lo tanto el imaginario depende de muchas circunstancias, tanto sociales como culturales. 

En la imagen, un seguidor de la saga de La Guerra de las Galaxias .

La imagen y el imaginario están relacionados y cambian continuamente a la vez que avanzamos con los tiempos. Una misma imagen, obra de arte, acontecidas en un momento histórico pueden tener distintas interpretaciones según, el fin para el cual son utilizadas.

A través de las relaciones imagen- imaginario se pueden llevar a cabo cuestiones para entendernos como personas y como cultura a la que pertenecemos, la muerte, el amor, la seducción. Un ejemplo con respecto a la forma de sentir la muerte de un se querido, los españoles como símbolo de luto utilizamos como vestimenta prendas de color negro y por el contrario en los países  asiáticos la muerte la representan  con el color blanco.

     

 

Las imágenes y las obras de arte deben servirnos no solo para contemplarlas, sino para aprender a través de ellas.

LA IDENTIDAD.

En la escuela tratar el aspecto de identidad es muy importante, pues hoy en día y cada vez más una imagen, un comentario, una historia, al no estar la persona preparada para interpretarlas de una manera objetiva, con ideas claras, sabiendo las circunstancias y trasfondo que hay detrás, puede traer problemas.

Tenemos que ayudar a los niños/as  y  jóvenes   de hoy a comprender de manera objetiva , sin miedos y que tengan  decisiones claras   ante cualquier acontecimiento en sus vidas, pues lo que vemos y oímos no es siempre la realidad, que tenemos que tener nuestra opinión propia y no por ello somos ni mejores ni peores, ni con más ni menos valía , ni más guapos/as  ni  feos/as , es decir, para afrontar los problemas, ideas  y situaciones que en la vida se presentan tienen que estar preparados.  

En la mayoría de las escuelas el curriculum esta programado  e influenciado por los libros de texto, basándose estos en los intereses de personas influyentes y con poder, pues en dichos libros se refleja lo que a ellos les interesa que se conozca sobre lo que acontece a nuestro alrededor.

En parte un curriculum programado puede orientar a los docentes ante alumnos temas, pero no debemos dejar a un lado las inquietudes, dudas, curiosidades…, que los alumnos tienen sobre multitud de temas relacionados incluso con actividades programadas, es bueno que investiguen por su cuenta, que duden reflexionen, piensen, y compartan ideas e inquietudes. Los  docentes tienen que estar abiertos a las propuestas de sus alumnos ,ayudarles en todo momento a encontrar el camino correcto y deben utilizar la educación artística para conseguir que sus alumnos construyan narrativas.

Temas con los que se podrían trabajar en una clase hay infinidad y todos importantes, uno de tantos temas podrían ir encaminados a los prototipos y a los estereotipos.

Un ejemplo de estereotipo lo vemos en la mayoría de los jóvenes por no tener una identidad definida ,se dejan influenciar por el patrón o modelo de identidades, la mayoría de las veces no reales  pero que les llama poderosamente la atención la conducta y la presencia de estos. 

Los estereotipos al estar por todos sitios pueden influir negativamente  limitando la creatividad, la personalidad ,etc… por ello se necesita reforzar  en los colegios, institutos… la educación de nuestros jóvenes para que su identidad sea firme.

Las imágenes son poderosamente influyentes en nuestra identidad, entran en nuestro subconsciente de manera silenciosa pero se convierte en un arma de doble filo si no las interpretamos adecuadamente, ¿ qué pasa con los adolescentes cuándo ven a un hombre cachas o a una mujer diez?, pues que al no tener una personalidad fuerte comienzan los problemas, como por  ejemplo la anorexia, la apatía, las depresiones, etc…

Nos encontramos en una sociedad en la que hay muchos temas con los que se pueden trabajar con los alumnos e incluso con los adultos, todos nos hacemos preguntas y dudamos o no sabemos las respuestas.

¿Cómo me veo y  ven otras personas?, ¿qué es lo que realmente quiero ser en la vida?, ¿por qué me influye tanto lo que digan o haga la sociedad?, ¿por qué estamos tan influenciados por las imágenes, culturas,…? etc…

¿Cómo me  siento, pienso, soy ……?

    

¿Quién y qué les influye?

              

¿Cómo les dicen que deben comportarse, vestirse, pensar,….?

¿En que círculo de amistades y diversión se mueven?

Pero,¡ se han puesto a pensar!, ¿a dónde les gustaría ir y estar por ellos mismos?

¿quién soy yo? ¿que espero realmente de mi?… ¿ simplemente soy un escaparate para imitar ?

       

Vale mucho más ser feliz con uno mismo y sonreír a la vida por tantas cosas buenas que somos y tenemos, que estar pensando en una báscula para ver si he puesto peso, o si se reirán de mi por no llevar ropa  o complementos de marcas.

¡Sonríe a la vida tal como eres!

 

No tenemos que ocultarnos tras unas mascaras…… 

Moscas

Tenemos que ser objetivos , dar nuestra opinión y no tener  miedo a  equivocarnos, pues de los errores se  aprende, de los nuestros y de los demás.

Debemos reflexionar jóvenes y mayores que es lo que realmente queremos ser en la vida , si meras marionetas o personas con PERSONALIDAD Y CRITERIO PROPIO.  

CONSTRUIR INTERPRETACIONES PARA COMPRENDER :LAS NARRATIVAS EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Lo primero que debemos preguntarnos ¿ es realmente real lo que vemos, comentan o han comentatado sobre lo que ha pasado y esta pasando  en todos los aspectos  de la vida?, ¿una imagen realmente nos hace ver la realidad o es la realidad que otros quieren que veamos?. Por tal motivo, debemos dar sentido a una imagen, comentario, noticia, tenemos que saber interpretar con objetividad y ver e indagar que es real y que no.

Una de las labores de los docentes es ayudar a los alumnos a ser interpretes críticos de su conocimiento, pues todos estamos en cierta medida influenciados por nuestra cultura, género, procedencia geográfica, etc…

¿Qué nos pueden contar las siguientes imágenes?

Una de las interpretaciones posibles es para mi  la siguiente: si observamos las dos imagenes siguiente vemos  a simple vista de semejanza que en ambas  hay mujeres, pero en realidad detrás de ellas hay muchas cosas en común como a continuación comento.

Lola Mora

   

Escuela de niñas

 

Las imágenes me sitúan en el siglo XIX, donde la enseñanza estaba muy influenciada aún por la Iglesia a todos los niveles, contemplan a la mujer en un papel secundario, de obedecía como mujer de familia.

El prototipo más frecuente fue el de perfecta casada, reina del hogar, piadosa, buena madre y buena esposa. Este concepto correspondía a las ideologías de monento.

Por esto, su instrucción, no estaba dirigida a formar académicas o sabias, sino mujeres piadosas; sabias, eso sí, en manejo de labores domésticas, expertas en trabajo de agujas.

En la educación pública , en algunos establecimientos se les permitía aprender a las niñas a leer y escribir, y las labores propias doméstica , pues que así lo exigía el destino que tenían en la sociedad, la cual se interesa principalmente en que hubieran buenas madres de familia.

Hoy en día todo esto queda muy lejos de lo que representaban las mujeres en la sociedad.

Son las mismas mujeres de antes , valientes, listas, trabajadoras, cultas, con inquietudes y sabiduría, pero la diferencia es que ahora tienen derechos igual que los hombres y antes no.

Las imágenes construyen muchísimas veces nuestra visión del mundo, e incluso de cosas que no hemos vivido.

Las narraciones son algo más de lo que realmente vemos y oímos. por eso debemos intentar que los niños no se queden con lo superficial de las cosas, y hacerles ver que detrás de una imagen hay más de lo que vemos. debemos hacer que vean que existe un contexto en el que se desarrolla, una cultura,… un ejemplo de este tipo de narraciones que podríamos trabajar con los niños, sería el trabajo de Así soy yo, aunque sean un poco pequeños. Pero así ellos ya se van acostumbrando desde pequeños a ver lo más profundo de las cosas; e incluso de ellos mismos.

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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TEMA 4

enero 29, 2009

 

¿ POR QUÉ EXISTEN LAS IMÁGENES?

Representar la realidad, comprenderla y relacionarla entre sí.

Conocer cosas que antes no habíamos visto.

Expresar sentimientos, emociones, etc….

Recordar, informar ,comunicar, decorar, etc…

Explicar sin palabra, ayudar en las explicaciones, conocer que nos transmite, situarnos en el tiempo, aportar distintas informaciones, etc….

Inmortalizar el momento.

Publicidad, marketing, crear expectación.

Dar vida, sensaciones, color a lo que nos rodea.

Representar lo inexistente, dar calor y luz.

Siempre se ha dicho que una imagen dice más que mil palabras.

Las imágenes pueden cambiar nuestra forma de hablar, de ver , de entender e incluso influir en nuestro humor.

 

Las imágenes influyen de manera positiva o negativamente en nuestra manera de concebir el mundo.y nos permiten que perduren en el tiempo.

TRISTEZA                             

 

ALEGRÍA

  

 Las imagenes nos permiten que acontecimientos de nuestra vida  perduren en el tiempo.

Bodas Reales

 

 

Algunos siglos atrás las imágenes se utilizaban como bienes preciosos, pues eran escasa.

 

Las imágenes privadas hasta el siglo XIX eran privilegio de las clases acomodadas o de las élites culturales.

    

En el siglo XVIII existían pocas imágenes a excepción de las iglesias o en las celebraciones.

LA IMPRENTA

Los cambios técnicos en la imprenta en siglo XIX y después en el XX, facilitaron la reproducción de numerosas imágenes.

También en el siglo XIX se perfeccionaron los sistemas de impresión posibilitando la aparición de carteles, publicidad , etc…, a grandes escalas

 Con la invención de la imprenta, los libros eran cada vez más populares, en los libros aparecerán con más frecuencia imágenes realizadas normalmente con técnicas de grabado, aún a sabiendas de que la mayoría de la población no sabía leer.

La imprenta es un método de reproducción de textos e imágenes sobre  papelo materiales similares, que consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa,sobre unas piezas metálicas, llamadas  tipos, para transferirla al papel por presión.

La imprenta fue inventada por los chinos. El problema de la imprenta no era tanto cómo imprimir, sino disponer de papel barato y en suficiente cantidad. Ya los romanos tuvieron sellos que imprimían inscripciones sobre objetos de arcilla.

En Europa, muchas personas y poblaciones pretendieron ser parte de este arte; aunque las opiniones apuntan a que fue un alemán por las ideas que tenía y la iniciativa de unirse a un equipo de impresores, lo que lo apoya como el inventor de la tipografía. Existe documentación subsecuente que le atribuye la invención aunque, curiosamente, no consta el nombre de Gutenberg en ningún impreso conocido. (información Wikipedia)

            

      Carteles publicitarios años 60 y 70

             

 

LA IMPRENTA EN LA ELECTRÓNICA

Los nuevos medios de comunicación aparecieron en un momento de un cambio acelerado y de comunicaciones más veloces y fueron la respuesta a la mayor demanda de información y entretenimiento. Los nuevos sistemas y estructuras nunca borran por completo los anteriores sino que se superponen. Así, las nuevas tácticas de almacenamiento y recuperación de información han necesitado de los medios de impresión en este campo para reagrupar y encontrar nuevas colocaciones, a menudo de carácter más especializado. La revolución audiovisual se ha presenciado en medio de un diluvio de material de promoción impreso. Todo esto ha traído consigo cambios que afectan al libropor ejemplo, la composición convencional es ahora tan cara que solamente se justifica en tiradas muy grandes, pero hay una gran variedad de métodos de impresión más económicos, como la fotocopia y la litografía barata.

    

LA IMPRENTA DIGITAL

Nuevos horizontes se desplegaron con la llegada de la impresión digital. El ahorro de tiempo y costes ofrecido por las nuevas técnicas digitales valen también para la industria editorial que se beneficia de la rapidez y amplias posibilidades que la impresión digital ofrece:

  • inversión optimizada: uno de los mayores problemas de la industria editorial es que si el volumen de tirada de un libro no es rentable, ese libro nunca será publicado. Ahora con la impresión digital también las tiradas cortas pueden ser rentables, permitiendo así una mayor “democracia de publicación”.
  • reimpresión: esto significa que no solo será posible obtener un coste muy bajo en el caso de nuevas impresiones, sino también para reimpresiones bajo demanda. Esto permite una ulterior ventaja productiva: producir menos libros para ahorrar gastos y publicar otros en el supuesto caso que venda.
  • Además de las ventajas directas, la impresión digital nos abre un nuevo mundo: gracias a ella es posible enviar pedidos por correo electrónico, imprimir online, hacer comunicaciones rápidas y utilizar formatos universales como el PDF. (wikipedia)

   

 

SOCIEDAD DEL ESPECTACULO

El gran cambio en la producción de imágenes fueron la fotografía y otros…

LA FOTOGRAFÍA REVOLUCIONA EL CONCEPTO DE LA IMAGEN.

La historia de fotografía es la rama de la historiografía cuya área de conocimiento se basa en el estudio de la extensión artística de la fotografía a lo largo de toda la historia de la humanidad y su posterior clasificación e interpretación.

Un antecedente de la fotografía es la necesidad del hombre moderno de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística manual, como había sido hasta la fecha.

Como antecedentes de la fotografía se encuentra la cámara oscura, y las diversas investigaciones sobre la reacción de las sales de plata a la luz, así como a las técnicas artísticas de la figura.

La fotografía en las artes visuales

La discusión acerca del status artístico de las fotografías se inaugura desde su invención. Sin embargo, durante el siglo XIX serán sólo intentos aislados los que se animen a desafiar el lugar que la institución artística ha destinado para la fotografía: el de auxiliar científico a la observación de la realidad, sin ninguna posibilidad de aspirar a la categoría de obra de arte en cuanto se consideraba que era la máquina la que hacía todo el trabajo.

Es en siglo XIX cuando tiene lugar la revolución tecnológica y de los medios de comunicación , consolidándose dicha revolución en el siglo XX.

HABLAR DE FOTOGRAFIA SIGLO XX
 
La aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del periodismo fotografico, la relación de las vanguardias hitóricas y la fotografía y a una exposición de los diferentesralismos fotograficos que se desarrollan en estos años.El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto todo lo que pasa en un lugar, estas visualizaciones nos cuentan mucho y por esto ya tenemos idea visual de lo que pasa en un lugar.
La posibilidad de imprimir fotografías junto al texto en periódicos y revistas fue investigada durante el siglo XIX mediante diferentes posibilidades, como la litografía o la xilografía. En 1880 se inventó la tećnica de impresión en medios tonos, que es la antecesora del actual procedimiento de offset y fotocromía. Sin embargo, el fotoperiodismo también se enfrentaba a problemas técnicos en la toma fotográfica, ya que las emulsiones aún tenían sensibilidades muy bajas, por lo que tomar fotos en interiores o de noche se limitaba al uso irreemplazable del flash (de magnesio, en aquel entonces). Sumado a esta dificultad, las cámaras de gran formato y la frecuente necesidad de usar trípode hacían que los fotoperiodistas estuvieran muy limitados en sus posibilidades de trabajar el “discurso fotográfico documental”.
El primer fotográfo que logró superar estas limitaciones fue Erich Salomon en Alemania, a partir de 1925. Salomon créo un estilo fotográfico documental conocido como foto live ofotografía cándida.
Sus fotos se caracterizan por mostrar a los sujetos espontáneamente, sin pose ni arreglo, muchas veces sorprendidos por el fotográfo.
A partir de entonces se inicia la época de las revistas ilustradas, como la francesa VU.
Hasta los años 70 serán los soportes principales de publicación para los fotodocumentalistas, y luego irán perdiendo protagonismo frente a la televisión. (Información Wikipedia)

 

Durante mucho tiempo el daguerrotipo es la técnica más popular.

En 1884 Eastman patenta las primeras fotografías continuas.

En 1888 aparece la primera cámara kodak.

Son los inicios de la popularidad de la fotografía para todas las clases sociales.

Pasamos de tener pocas imágenes por se muy costosas a tener muchas y variadas.

Con la fotografía llega un testigo de la historia y de la memoria y recuerdos de todos.

EL DAGUERROTIPO

Para la obtención de la imagen se parte de una capa sensible de nitrato de plata extendida sobre una base de cobre. A partir de una exposición en la cámara, el positivo se plasma en el mercurio. Finalmente, la imagen se fija tras sumergir la placa en una solución de cloruro sódico diluido.

A finales del año 1840 se habían conseguido tres progresos técnicos en el daguerrotipo. En primer lugar, se consiguió una lente hasta 22 veces más brillante. Además, se aumentó la sensibilidad de las placas ante la luz al ser recubiertas por sustancias halógenas (aceleradores o sustancias rápidas), con lo que el tiempo de exposición se redujo. Finalmente, las placas se doraron para enriquecer los tonos. (wikipedia)

                                         

EL CINE

Después de la fotografía la revolución llega con el cine, es el gran espectáculo hecho solo con imágenes.

La historia del cine comienza  el 28 de diciembre de 1895   (112 años), fecha en la que los hermanos  Lumiere proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon.

Siendo George Melies quien advirtió las posibilidades del nuevo invento, convirtiéndolo por primera vez en un espectáculo. Creó técnicas específicas para el cine y los efectos especiales.

En sus comienzos el cine era mudo, pero en muy poco tiempo se convirtió en espectáculo que atraía a grandes masas de personas.

El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. El desarrollo de las nuevas técnicas cinematográficas, de una mayor narrativa, y la elaboración de los primeros guiones de ficción, provocó que los hermanos Lumiere quedaran en segundo plano en el crecimiento de su cinematógrafo. El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez antes de la aparición de las películas con sonido. Dado que el cine mudo no podía servirse de audio sincronizado con la imagen para presentar los diálogos, se añadían títulos para aclarar la situación a la audiencia o para mostrar conversaciones importantes.

En los años veinte del siglo XX surge una nueva tecnología que permite a los cineastas agregar una banda sonora a los films, ya sea de diálogos, música o efectos sonoros, que aparecerán sincronizados con la imagen en movimiento.

Mientras que la incorporación del sonido fue rápida y determinó la desaparición del relator y los músicos en vivo, el color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.

Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se le denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se le clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay. (wikipedia)

 

EL CINE CONVIERTE LA VIDA EN UN ESPECTÁCULO

Cambia el modo de ver de las personas.

El cine hace desaparecer las fronteras entre lo real y lo imaginario, entre lo posible y lo imposible y entre la vida cotidiana y un mundo fantástico.

El cine hace que se produzca una relación afectiva imposible y una admiración por los actores.

La trampa

En el cine se escoge los planos que interesan.

Tipos de planos: 

Plano general

Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. 

Plano medio

Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.

Plano medio corto 

Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores

Plano corto

Encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.

Primer plano

El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.

Plano medio largo

encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.

Plano panorámico general

Es una filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán menos importancia que el paisaje. Por ejemplo, una cabaña en el bosque vista de lejos. Las personas se verán pequeñas.

Gran plano general

Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas.

Plano general corto

Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo

Plano americano

Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.

Plano secuencia

 Es una forma de filmar, en el que en una toma única se hacen todos los cambios y movimientos de cámara necesarios. No suelen hacerse muy largas por la dificultad de rodaje que entrañan.

Secuencias

 

LA TELEVISIÓN

En 1948 se emiten las primeras imágenes por televisión en Madrid y Barcelona.

La televisión ha supuesto una auténtica revolución en el mundo de la imagen y de la comunicación.

Con la llegada de la televisión a las casas cambia la dinámica de las vidas, pues si antes era la lumbre de las chimeneas el lugar de encuentro de familias y amigos, es ahora la televisión quien acapara el centro de reuniones.

     

La televisión también se convierte muy pronto en un mecanismo de enganche para totas las edades ( niños y mayores)

¿Con qué fin se crean infinidad de programas?, series ,telediarios, documentales, etc…

Con la televisión se incrementa la producción de publicidad visual.

CON LA TELEVISIÓN EL ESPECTÁCULO ESTA ASEGURADO.

 

VIVIMOS EN UNA SOCIEDAD DEL ESPECÁCULO

Los que deciden qué se emite, son los que controlan el mundo, el poder.

Hubo un tiempo en que la publicidad era algo sencillo, arte… hoy en día ya son pocos los artistas, solo se busca dinero.

Las grandes empresas dominan la economía en el mundo.

Las empresas de cosmética son de las fuertes económicamente en lo paises desarrollados.

  

 

El espectáculo no dice más que ” lo que aparece es lo bueno” (Guy Debord).

Debemos tener cuidado pues siempre puede haber alguien a nuestro alrededor grabando con cámara, a veces con un fin positivo y otras negativo y perjudicial.

Todos pasamos a ser actores en un momento dado de nuestra vida, ( nuestra comunión, boda, un viaje, etc…) e incluso una guerra.

PERFORMING

Performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte  en vivo. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

  • El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
  •  La performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.
  • Una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
  • En el arte comtemporáneo que siempre busca redefinír sus formas y maneras, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

    El performing nos modela nuestra performativividad, es decir, nos modela nuestra forma de actuar.

    Mimo y Pintura

     Los estereotipos influyen en nuestra forma de ver y pensar.
     
    ESTEREOTIPOS

    En su uso moderno, un estereotipo es una imagen mental muy simplificada y con pocos detalles acerca de un grupo de gente que comparte ciertas cualidades características y habilidades. El término se usa a menudo en un sentido negativo, considerándose que los estereotipos son creencias ilógicas que sólo se pueden cambiar mediante la educación.

    Los estereotipos más comunes del pasado incluían una amplia variedad de alegaciones sobre diversos grupos raciales y predicciones de comportamiento basadas en el estatus social o la riqueza.

    En la literatura y el arte los estereotipos son personajes o situaciones predecibles.Por ejemplo, un diablo estereotípico es malvado, de color rojo y con cuernos, cola y tridente.

    Originalmente un estereotipo era una impresión tomada de un molde de plomo que se utilizaba en imprenta en lugar del tipo original. Este uso desembocó en una metáfora sobre un conjunto de ideas preestablecidas que se podían llevar de un lugar a otro sin cambios (al igual que era posible con el tipo portable de impresión

    El Judío Errante, de Gustave Doré, caricatura basada en estereotipos

    Repetición de estereotipos.

    Influencias:

    Las dimensiones corporales de la mujer han sido valoradas de distintas maneras en las distintas épocas de la historia en el mundo.

    La belleza femenina de la época de antes era distinta al la actual. Los cambios históricos acarrean cambios culturales y cambios en los patrones estéticos y corporales. La imagen de un modelo ideal de belleza, reconocido socialmente, supone una presión significativa tanto en mujeres como en hombres, pero sobre todo afecta mas ala mujer.

    Influencia de estereotipos.

     

     

    MIRADAS Y PATRIMONIO

    Información  en http. www.redvisual.es

    La realidad no es evidente, la contruimos de deseos, de relatos de otros, de casualidades, de experiencias, etc….

    El patrimonio y sus usos didácticos, la realidad de lo que nos rodea es muy compleja y no se pliega a explicaciones simples, por ello para ver la realidad no podemos limitarnos a ver lo simple y debemos comprender lo complejo.

    El patrimonio no es solamente un testimonio del pasado, sino que esta vivo, pero necesita que lo observemos, como cualquier aspecto de la realidad, que reflexionemos ante lo que tenemos, pues nos hace pensar en lo que somos , de donde venimos y hacia donde vamos.

    Las obras de arte, la arquitectura y la cultura que se crearon en un momento dado de nuestra historia y siguen vivas hoy en muchos aspectos y han desaparecido otros. Por lo tanto podemos decir que el patrimonio es un fenómeno complejo.

    Podemos considerar diversos aspectos de las obras y objetivos patrimoniales.

    Algunos aspectos de una obra:

    Poliédrica.

    Cualquier objeto patrimonial puede ser como un poliedro irregular con distintas caras, por ello cuantas más caras observemos podremos ver más y sacar más partido y ampliar nuestros conocimientos.

    En la escuela pude ser un potenciador para el aprendizaje en diversas disciplinas y planteamientos.

     Ejemplo de obra poliédrica: La merced (Huelva)

    El convento de la Merced fue levantado por orden de Alonso Pérez de Guzmán( VII duque de Medina Sidonia). La iglesia, actual catedral de Huelva, servía de capilla para los cultos del convento de los Mercenarios Descalzados, y fue fundado en 1605. El lugar, desde el siglo XVI, estaba ocupado por una construcción anterior que se desconoce. La iglesia de La Merced con su aspecto actual es fruto de obras a lo largo de tres siglos por lo que la fachada primigenia presumiblemente tendría otra fisonomía. El conjunto, iniciado de inspiración renacentista ycontinuado siguiendo los modelos del Barroco,t iene un cierto sabor colonial, sin perder su esencia conventual.

    La estructura original duró apenas un siglo. A finales del siglo XVIII, bajo proyecto de Pedro de Silva, ya en estilo barro, se erigió el nuevo templo.Esta reforma que conformaría el aspecto actual de la Iglesia de la Merced duró hasta bien entrado el siglo XIX. (Wikipedia)

    Antiguo convento de La Merced.
     
    Los principales trabas en la larga reforma de la iglesia fueron la invasión napoleónica de Huelva de 1811,la supresión de los señorios ( ya que seguía vinculado a la Casa de Medina Sidonia) y la supresión de las comunidades religiosas masculinas por el ministro Mendizábal en 1835. La desamortización de Mendizábal, al igual que en otros inmuebles de la Iglesia en España, provocó que el convento de La Merced pasara a manos públicas, en este caso la Diputación provincial. Este organismo fue el encargado de impulsar la reanudación de las obras en La Merced. La iglesia siguió abierta al culto y el convento sirvió como instalaciones militares desde 1844.Posteriormente a partir de 1861 el antiguo convento cambió de uso y alojó a un Instituto de Segunda Enseñanza y Escuela Normal de Maestros. También ha albergado la sede de la Diputación y del Instituto General Técnico y ha servido como Hospital Provincial, alzando para este uso sanitario un tercer piso en 1957.Posteriormente  sede de las facultades de Derecho y Económicas.

     Muchas interpretaciones son posibles, se pude hablar de la Merced como si de un Convento ,de un Hospital o de la Universidad.Pero en realidad lo es todo y no es nada por lo tanto estamos ante una obra poliédrica, distintas caras y miradas contenplando el antiguo convento de la Merced de huelva.

     
    El conjunto de la Cartuja de Sevilla, es otro ejemplo de obra poliédrica.
     
     
     
     
    Las obras son seres sociales:
     
    Los bienes patrimoniales sólo son importantes porque la sociedad decide que sea así, un bien cultural al que se le tiene estima, aprecio y son de gran valor en su gran mayoría por ser patrimonio histórico.

    También otro factor a tener en cuenta es el lugar donde se encuentre el patrimonio , pues dentro de las distintas culturas adquieren sentidos distintos y determinan la forma con la que se mira.

    Es importante que en la escuela a los alumnos se les comente lo anterior comentado, pues deben ampliar no solo sus conocimientos, sino también su mirada y forma de ver y concebir otras culturas y patrimonio.

    Ejenplo de la deversidad cultural y manera de mirar el patrimonio:

    9 de abril, 2001/ Kabul (Afganistán)

    Los Budas gigantes de Bamiyán

    Tal como  habían previsto las autoridades talibanesas, los dos Budas gigantes de Bamiyán, esculpidos en arenisca durante los siglos III y IV, y situados a unos 130 kilómetros de Kabul, la capital de Afganistán, fueron destruidos  utilizando para ello poderosos explosivos y pólvora. La destrucción había sido decretada días antes, pero se había suspendido con motivo de la Eid al-Adh  que es la fiesta islámica del sacrificio del cordero. Para evitarla se habían reunido el secretario general de la ONU, Kofi Annan y el ministro de Asuntos Exteriores talibán, Wakil Ahmad Muttawakil; pero la reunión acabó en fracaso. Tampoco las presiones diplomáticas de muchos países del mundo  dieron  resultados positivos, ni tampoco la petición de la UNESCO. Así pues el día 9 de marzo pasará, tristemente, a la historia como el día que se destruyeron los Budas de Bamiyán, los más grandes del mundo con sus  55 y 36’5 metros de altura, respectivamente Además de los dos colosos, los talibán han destruido también miles de figuras arqueológicas consideradas por   Omar Mohamed Omar, como ídolos. Con su destrucción se pretende, tal como dijo el líder religioso “evitar la adoración a ídolos falsos”. Una vez conocida a nivel oficial la destrucción de los Budas gigantes, la opinión internacional, incluidos muchos países islámicos, ha mostrado su indignación y se han pedido a la ONU medidas sancionadoras.

    http://www.educared.net/PrimerasNoticias/HEMERO/2001/abr/buda/buda.htm

      

    El sentido cambiante de las obras.

    Un ejemplo claro es lo anteriormente espuesto, pero podemos hablar de otras obras, formas de ver dentro de una misma cultura y simplemente el cambio de época infuye en la visión de un mismo patrimonio.

                   KANT

    Metafísica, antropología, ética, teoría del conocimiento, epistemología… 

    Crítica de la Razón Práctica: 

    “La ilustración es la salida del hombre de su minoría de edad. El mismo es culpable de ella. La minoría de edad estriba en la incapacidad de servirse del propio entendimiento, sin la dirección de otro. Uno mismo es culpable de esta minoría de edad cuando la causa de ella no yace en un defecto del entendimiento, sino en la falta de decisión y ánimo para servirse con independencia de él, sin la conducción de otro. ¡Ten valor de servirte de tu propio entendimiento!.

    En la escuela, el significado del arte y de las imágenes también depende de diversos factores, como los libros de texto, el docente y su forma de mirar, las historias vividas, etc….

    Ejemplo de distintos puntos de contemplar una imagen.

           

    ¿Por qué hay diferentes puntos de vista  estéticos distintos entre grupos escultóricos similares?

    Pues, porque la estética responde a los supuestos culturales desde donde fueron creadas las dos esculturas.

    Esto es un ejemplo de cómo el sentido estético , no es innato, ni universal, sino que es cultural.

     

    El valor de las obras es inestable.

    El valor de las obras de arte, de los objetos patrimoniales en general puden variar tanto cuantitatívamente ( su calidad) como cualitativamente (razones por las que se realiza una obra).

    Un ejemplo lo tenemos en Rodin y sus obras, pues a su muerte estas cobraron  valor, mas tarde fueron quedando en el olvido y décadas después adquirieron gran valor. 

    Obra de Auguste Rodin

    Rodin:

     Escultor francés, que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura, el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. (wikipedia)

    Las obras son mediadoras.

           

    imagen de hoy         imagen del pasado

    -Las imágenes tienen influencias poderosas.

    -Las imágenes no tienen un solo significado, sino varios, son facilitadoras de interpretaciones y parte de las imágenes son relatos que ayudan a interpretar.

    -El conocimiento no se lee, sino que se interpreta, por ello las personas no deben ser solo espectadoras, sino también interpretadoras.

    -El arte, los objetos y medios de cultura visual,contribuyen a que las personas construyan su relación-representación con los objetos materiales de cada cultura.

    Por coniguiente, la cultura visual a contribuido en la forma de mirar el mundo  y  a nosotros mismos, de pensar y de enrriquecernos personalmente con las experiencias vividas y la realidad que nos rodea.

    Las obras estan vivas en nosotros, nuestra forma de contemplarlas, vemos desde ellas y a través de ellas, enrriquecen nuestras vidas.

    Las imagénes responden a ideas y conceptos propios a la época en las que fueron creadas, por ello esto nos hace entender en cierta medida momentos de nuesta historia.

    Las obras son facilitadoras de interpretaciones

    Comprendemos las obras y el patrimonio gracias a la cantidad de informaciones que tenemos de los relatos de expertos, aunque estos relataos en cierta medida están condicionados por ideologías y por el sentido que cada experto quiera interpretar.
    La realidad es compleja, por ello no debemos conformarnos con quedarnos con un solo relato o experiencia, sino que debemos ampliar nuestro conocimientos, miradas ,observaciones, etc.. y no quedarnos en un mero relato.

    No tenemos que tener miedo a expresar nuestros sentimientos, ideas ante una obra, pues todos los enfoques son validos y no tener miedo a equivocarnos, pues de los errores se aprende.

    Por lo tanto en la escuela los docentes deben de mostrar a sus alumnos estas ideas ,para que comprendan que no deben conformarse con un solo relato, sino que amplíen sus conocimientos, ideas, sin miedos ni complejos, pues la realidad no es simple, es compleja.

    Mirar es crear.

    Crear , creatividad: en el diccionario de la lengua se aplica a crear en una segunda acepción, a saber, “establecer, fundar, introducir por vez primera algo nuevo”.

    El proceso creativo en mi opinión, es una combinación de nuevos de pensamientos, sonidos, palabras, formas o colores, que ya existen en nuestro cerebro.

    Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa.

    En la película, La sonrisa de la Mona Lisa:

    El rol de la mujer estaba claramente definido: quedarse en casa, ocuparse de la familia, y permanecer siempre junto a su marido. Afortunadamente en parte ,la sociedad y la mentalidad van cambiando.

    En la película se ve claramente, que el entorno de la prestigiosa institución está estancado en la conformidad, eso mismo le ocurre  a la mayoría de las personas.

    Nos encontramos un mundo en el que nos han dicho cómo debemos vivir, estamos condicionados por el medio que nos rodea . En la película, la profesora enseña a pensar por si mismas a sus alumnas y a encontrar su propio camino, e incluso ella ( la profesora) también aprenderá una lección diferente para ella misma. “La sonrisa de Mona Lisa” es la historia de unas mujeres que luchan por definirse a si mismas en un mundo que ya lo había hecho por ellas.

    Esto le ocurre a gran parte de la sociedad de hoy.

     Percibir es asimilar estímulos dándoles un significado…lo que hace la mirada es inventar posibilidades perceptivas en las propiedades reales del estímulo. Esto es, la mirada creadora. 

     

     

        

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

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    Plano en profundidad

    Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial.

     

    Semiprimer plano:

    Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.

     

     

    Gran primer plano

    Cuando la cabeza llena el encuadre.

     

     

     

     

     

     

     

     

    Plano detalle

    Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    TEMA 3

    diciembre 8, 2008

    TÉCNICAS, MEDIOS Y MATERIALES DE CREACIÓN PLÁTICA MÁS USUALES

    TECNICAS DIFERENTES PARA CREAR IMÁGENES Y OBJETOS.

    Técnicas tridimensionales(volumen): son las más tradicionales. Talla, modelado y vaciado 

      

    La Visión Tridimensional es la parte de la Visión por Computador que utiliza las propiedades tridimensionales de una escena real para realizar una interpretación sobre la misma.

    Técnica bidimensional:  la pintura, dibujo, mosaico, grabado, etc…

    Otras técnica tradicionales: vidriera, calados, etc…

    Técnicas más recientes:

    La fotografía: es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un medio sensible a la luz, basándose en el principio de la cámara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen. 

                                                              

    Cámara: imagen en blanco y negro.                                 

    Cámara: imagen en color 

    El cine: es la técnica  que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para creas la impresión de movimiento.Esto sucede debido a tres elementos que nos ayudarán a saber qué es el cine: la fotografía, la proyección y la persistencia de la visión.

                                  

    Proyector de cine cómico                     

    Proyector de cine actual.

    El cine es un arte como forma de narrar historias  y acontecimientos.

    La televisión: es un sistema de telecomunicaciones para la transmisión y recepción de imágenes en movimiento y sonido a distancia.

                                                                                          

    Uno de los modelos de los primeros televisores                         

    en blanco y negro.

    Uno de los últimos modelos en color.

    Infográficas

    Es  una técnica Los infográficos son tremendamente útiles para presentar la información que es complicada de entender a través del puro texto, 

    “los infográficos establecen la diferencia entre uno y otro diario” al convertir la publicación más visual, clara, directa y fácil de entender.

    Imagen infográfica de sonda Galileo.

    Tienen tres dimensiones: Largo, Alto y Profundidad; la Profundidad es limitada entre la pared o superficie de fondo y el primer plano o superficie de la Obra, “Relieves”.

     

    Imagen del sol( astro rey) en  3D

    MODOS DE EXPRESIONES DIFERENTES, QUE NO ESTAN BASADOS EN LA CREACIÓN DE OBJETOS NI EN IMÁGENES

    -Expresión con el cuerpo:

                                    

     Esta obra se llama Dante y Virgilio en el infierno.
    Representa uno de los pasajes del infierno,  pero lo más destacado es ver el increíble dibujo del cuerpo humano representando los pecadores mientras Virgilio y Dante observan y el Diablo se deleita en la escena.

    -Creación de situaciones: happening, performance, etc…

                                  

                 Happening                                Performance

    -Land art.

    etc….

    Se pueden hacer cosas muy interesantes con técnicas y materiales diferentes.

    TODAS LAS TECNICAS SON BUENAS , PERO LO QUE IMPORTA NO SON LAS TECNICAS SINO EL RESULTADO.

    Técnicas más usuales.

    Conceptos elementales:

    Adición

    Sustracción

    Construcción

    Deformación

    Transformación

    Etc….

    -Adición ( modelado, lat adire: añadir): ir poniendo más.

    Arcilla

    Yesos

    plastilina

    Etc….

              

    MODELAR: consiste en dar forma a una materia blanda.

    Para modelar se necesita armazones para soportar el peso. palillos.

    Permite probar y ensamblar sin parar.

    El modelado te permite mucha libertad a la hora de crear esculturas. 

    PROCESOS BÁSICOS IMPLICADOS EN EL MODELADO

    La técnica consiste en visualizar una postura, a veces el dibujo ayuda, después se va añadiendo los trocitos de arcilla los unos a los otros para formar los cuerpos.
     
    Se deja esta primera forma endurecer unos cuantos días y se le vuelve a dar mas forma. Añadiendo arcilla, modelando hasta que los cuerpos se afinen y se armonicen.

    Técnicas de modelado:

    Cilindro

    Placas

    Macizo

    Manteniendo hueco

    Técnicas de la cerámica (torneado)

    1.La Atención.

    La actividad del observador consiste en concentrarse en lo que se modela.

    2.La Retención.

    Hace referencia a la codificación simbólica o lingüística, organización cognitiva y ensayo encubierto del modelo presentado.

    3.La Reproducción.

    La capacidad del observador para reproducir, ensayar o practicar la conducta cuyo modelo se ha observado.

    4.La Motivación

    Predisposición favorable del observador para asumir como propios los objetivos propuestos a través del uso de las técnicas de modelado.

    – Técnica y procesos tridimensionales (volumen).

    Cuando la arcilla esta seca del todo, después de varias semanas, la escultura esta lista para la cocción.
    Una vez en el horno, se hace una primera cocción para sacar toda la humedad , después una cocción a partir de 800º , según la arcilla utilizada para las esculturas. Después, cuando la temperatura ha bajado de los 100° se comprueba si todas las piezas han resistido.

    -Se produce un cambio físico- químico , la arcilla endurece y ya no vuelve a ser soluble al agua.

    -Su resistencia a la erosión es enorme.

    -Es dura ,pero a la vez frágil.

    LA SUSTRACCIÓN

    Las técnicas de sustracción usuales son las de talla.

    Materiales usuales:

    -Piedra

    -Madera

    -Marfil

    -Forex(poliespán, corcho blanco…)

    -Ladrillo, y otros, etc……

     

    Tallas  en mármol de Antonio Canova

     

    Preciosa talla de madera en la que se denota la influencia del estilo de Ghiberti, la estética de Miguel Ángel así como el gusto por el Arte helenístico.

    La personalidad en los rasgos del Santo y el logrado movimiento de la barba son características del ímpetu en las obras del gran maestro castellano.

    Alonso Berruguete es una de las grandes personalidades de la escultura renacentista castellana en la segunda mitad del siglo XVI.

    San Jerónimo

     

    Talla en marfil

    Talla en poliespán

     El material ( la obra) puede ser de una sola pieza (monolito, monolítica, monobloque) o ensabladas (unir varias piezas).

                 

              Talla ensamblada                    Talla en  una sola pieza

     Dos tipos de talla:

    -Directa: se va quitando directamente del material

    El David de Miguel Angel

    -Indirecta:

    El pensador de Rodin

    Se copia un modelo hecho en materiales más sencillos de trabajar (barro, escayola, etc) y se va traspasando a la talla con ayuda de herramientas y/o máquinas especiales para no equivocarse

    La talla indirecta se hace copiando un modelo hecho en una técnica más facil .El modelo puede ser del mismo tamaño, o de otro tamaño . 

    Procedimientos habituales de talla indirecta (también llamada saca de puntos)

    Antiguamente se usaban métodos más o menos manuales:

    Pantógrafo manual o puntómetro

    Compases

     

    Actualmente se usan frecuentemente métodos mecanizados e incluso informáticos:

     

    Pantógrafo mecanizado (manual o asistido por ordenador)

    Escaner 3D por laser y traslación a pantógrafo mecanizado asistido por ordenador

    Modelo en yeso para pasar a mármol mediante talla indirecta:
    En el modelo se han señalado una serie de puntos, Con ayuda de algún aparato auxiliar (como el puntómetro o los compases), se copia la situación de cada uno de esos modelos en el mármol. Eso nos da una forma parecida a la del modelo sin miedo a equivocarnos

    Maquina de sacar puntos (pantógrafo) mecanizada. Este modelo permite obtener más de una copia a la vez.

    Pantógrafo

     

     

    Talla expresionista:

    Fuente del Lava patas

     

     

    La fuente ceremonial del lava patas es la más grandiosa obra escultórica de los agustinianos.

    Se trata de un complejo laberinto de canales y piletas, adornado con representaciones de serpientes, lagartos y salamandras, de caras y formas humanas.

    El agua en su paso, saltos y remansos, imparte al conjunto una dinámica, un movimiento sin precedentes en la cultura de San Agustín. Constituye una evidencia del alto grado de ingeniería alcanzada por los escultores en el empleo de la posibilidades ofrecidas por los materiales, en este caso el agua y la piedra combinados.

    Todo indica que se trató de un sitio sagrado, probablemente dedicado a ceremonias religiosas y baños rituales. Se observan tres piletas con diferentes niveles de elaboración que tal vez correspondan a una determinada jerarquía social. Donde la más elaborada fuera la de los jefes.

     Técnicas de construcción

    Consiste en juntar piezas que ya existen hasta formar la obra.

    Uno de los procedimientos de construcción es la soldador

                

    Otro procedimiento es el ensamblaje

    En el siglo xx  es muy utilizado la técnica del encofrado: se fabrica un molde con maderas, planchas o cualquier otro material.Luego se rellena de hormigón armado, ya duro el hormigón se quita lo que se haya utilizado para cerrar el espacio, quedando la escultura de hormigón. 

             

     

    DEFORMACIÓN

    Son procedimientos que consisten en transformar el  material original ( golpeándolo, doblándolo, estirándolo, ….) .

     En la orfreberia se utiliza mucho la deformación ( cincelado y repujado). ç

                   

    Otra técnica de transformación es el procedimiento de soplado del vidrio, mediante  el que se le da forma a la pasta caliente del vidrio.

    Requieren una gran destreza y ocupan de la mayor concentración posible, dado la temperatura del vidrio, y de la fragilidad del vidrio. 

       

     

    LA TRANSFORMACIÓN

    En esta modalidad vamos a tratar del vaciado y fundición.

    VACIADO

    El vaciado es un procedimiento para la reproducción de esculturas o relives.Se consigue aplicando al molde de yeso líquido, gelatina, fibra de vidrio,etc… y esperando que se endurezca para confecionar el molde; poseriormente, se separa de él y sobre este molde obtenido se trabaja para conseguir tantas copias como se desee vertiendo una colada en su interior.

    Se llama vaciado tanto a este sistema de reproducción mecánica como a la copia obtenida del molde.

      Técnica de  vaciado: consiste en hacer moldes y rellenarlos despues de un material positivado ( barro, escayola, yeso, cemento, resina, etc…)

     

     Moldes para escayola

    Molde de silicona

       

     

     Vaciado en yeso, La baiser, Rodin

     

    Vaciado en resina de poliester

         

     

     FUNDICIÓN

     Se denomina   fundición, al proceso de fabricación de piezas, comúnmente metálicas pero también de plástico consistente en fundir un material e introducirlo en una cavidad, llamada molde, donde se solidifica.

    El proceso tradicional es la fundición en arena por ser ésta un material  refractario muy abundante en la naturaleza y que, mezclada con arcilla adquiere cohesión y moldeabilidad sin perder la permeabilidad que posibilita evacuar los gases del molde al tiempo que se vierte el metal fundido.

                                                 lA BAISER, DE RODIN

     

     ESCULTURA A LA CERA PERDIDA

     El moldeo a la cera perdida es un procedimiento escultórico de tradición muy antigua que sirve para obtener figuras de metal ( generalmente bronce) por medio de un molde. El cual se elabora a partir de un prototipo tradicionalmente modelado en cera de abeja. Este modelo es rodeado de una gruesa capa de material blando que se solidifica; una vez endurecido, se mete en un horno, que derrite la cera de la figura, saliendo esta por unos orificios y en su lugar se inyecta el metal fundido, que adocta la forma exacta del modelo. Para extraer la pieza final es necesario destruir el molde. Gracias a esta técnica de vaciado, es posible conseguir figuras metálicas, sólidas y duraderas, con detalles que sería imposible lograr con otros medios.  

     Sea cual sea el proceso, una vez liberado el modelo final, va siendo rodeado o forrado de algún material maleable pero que se endurezca poco apoco( ladrillo molido, o escayola) y que sea refractario.Se van aplicando tantas capas como sea necesario, para crear un molde hermético, de una sola pieza.Únicamente hay que colocar unos soportes de acero,a modo de puntas, que se claven en el modelo blando del interior y que quedan fuertemente sujetos al molde exterior.
    Igualmente se abre un número variable de pequeños orificios, llamados bebederos, que se consiguen colocando canutos de papel encerado, que comunican el interior con el exterior.
    Además, está el orificio principal, en forma de embudo.

     Actualmente, la primera capa se hace de material cerámico refractario, de gran precisión, compuesto por sílice,el resto puede ser de ladrillo refractario más basto.

    Cuando se ha endurecido el molde definitivo, con sus bebederos y clavos, hay dos posibilidades. Si la escultura va a ser pequeña, se puede verter directamente el bronce fundido. Pero si la figura es monumental la cantidad de bronce puede ser excesiva, tanto por el coste económico, como por el peso resultante. Por eso es conveniente conseguir que la forma sea hueca.

        

     TÉCNICAS Y PROCESOS BIDIMENSIONALES

    Este tipo de técnica es a priori menos complicada que la nombrada anteriormente.

    Existen gran variedad para hacer esculturas bidimensionales,  por ejemplo;

    Carboncillo, sanguina, lápiz grafo, lápiz de color, tinta china, ceras, acuarela, oleos…

     

     

    Técnicas de mosaico

    Las técnicas de mosaico mas empleadas son el collage y el mosaico.

    collage                                        mosaico

     

    Otras técnicas tridimensionales: vidrieras, tejidos, etc…

    A través de las vidrieras se pueden obtener resultados muy buenos con materiales de fácil acceso.

    Tecnicas de imagen la fotografía y la infografía:

    FOTOGRAFÍA

       

    INFOGRAFÍA

    Las técnicas derivadas de la fotografía y el cine normalmente suelen ser audiovisuales,(fotografía, cine, televisión, video, etc..)

    Nociones elementales.

    Reglas  o pasos básicos en arte: bocetos, modelos y obra terminada.

    Desde el comienzo de la obra con el modelo inicial hasta que la obra este terminada hay mucho trabajo intermedio. 

    Se suelen hacer muchas esculturas utilizando como modelos al natural  ( ser humano ) o de otro tipo.

    Es necesario crear muchos bocetos de una obra, antes de presentar y acabar dicha obra. Tambien es conveniente utilizar varios modelos, que se usaran para realizar la obra final. 

     

     Boceto                              Obra final

          

                                   RODIN

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    TEMA 2

    diciembre 8, 2008

    ELEMENTOS DE LA FORMA, EL COLOR , SINTAXIS DE LA IMAGEN Y CAMPO  VISUAL.

    1) ELEMENTOS DE LA FORMA: PUNTO ,LÍNEA, PLANO Y FIGURA.

     El punto, la línea o el plano cuando son visibles, se convierten en forma. Un punto sobre el papel, por pequeño que sea, debe tener una figura, un tamaño, un color y una textura si se quiere que sea visto. También debe señalarse lo mismo de una línea o de un plano En un diseño bidimensional, el volumen es imaginario.

    Los puntos, líneas o planos visibles son formas en un  sentido, aunque  las formas como puntos o líneas son simplemente denominados puntos o líneas en la práctica.

    EL PUNTO

    Dibujo formado con puntos.

    Un punto en el cosmos.

                             

    LA LÍNEA

    Es una sucesión de punto, bien en líneas rectas o curvas.

    Cuando los puntos van en una misma dirección, la línea es recta. Si el punto va cambiando de dirección, entonces se forma una línea curva.

    Las líneas mixtas son combinaciones de líneas rectas y curvas, y las poligonales, son las que se forman por segmentos o trozos de rectas.

    -Rectas: en horizontal, vertical, diagonal y quebrada ( zig-zag).

    -Curvas: pueden ser abiertas o cerradas.

    -Mixtas

             

                                                                                 

    Trayectorias de los cohetes espaciales.         

          Horizontal              

                                 

                

            Vertical           

                            

              Diagonal                                                                                                 

    Maniobras que pueden hacer  los aviones.

           Horizontal     

          

       vertical

     

           Diagonal

         

                                 

    En este monumento se aprecia  la utilización de líneas curvas y rectas.

         

    En este otro monumento  destacan  las líneas rectas.       

    Destacan las líneas  curvas.

                 

                

    CONCEPTO DE EJE SENTIDO

    Establecemos inconscientemente una especie de eje vertical  sobre cada forma en relación  a su equilibrio, a esto es lo que llamamos eje sentido.

               

             

     Gracias al eje sentido podemos comprender como las formas se alejan de lo vertical y adquieren dinamismo , tensión……

                

    En estas imágenes podemos observar  un mismo  edificio por fuera y por dentro.

    Según vamos pasando de una imagen a otra se aprecia como el dinamismo y el movimiento  aumentan.

        

     En estas figuras se aprecia por un lado equilibrio ( líneas rectas)  y por otro dinamismo y tensión.

      

    El equilibrio de nuestros cuerpos con respecto al eje sentido.

      La figura da sensación de equilibrio.       

         

     Las figuras en este caso dan sensación  de dinamismo.

                 

    RITMO INTERNO

    Ritmo interno podemos decir que son las líneas (imaginarias ) que constituyen la estructura y dinamismo de la forma.

                          

    Poco dinámica            Más dinámica                 Muy dinámica

    En lo referente al desnudo señalar que el objetivo es también encontrar el ritmo interno de la figura humana.

    En estas imágenes podemos observar el paso de equilibrio a  dinamismo y tensión.

             

    El ritmo interno es responsable de la sensación de movimiento de las  formas.

       

            

     En este cuadro se aprecia , como las línea  en la imagen  se encuentran superpuestas , los son planos angulares y esta compuesta a  base de cubos y triángulos. 

    Los triángulos cuando los cambiamos de posición nos dan sensación de movimiento.

    Esta obra es  dinámica.

     

    Deformar una imagen también da sensación de movimiento.

                  

     

    Cuadrados y rectángulos

    Distorsionar permite mover libremente cada vértice del rectángulo, resultando en trapezoides con los que se logra cualquier perspectiva, incluso la cónica de dos y de tres puntos de fuga. Es una herramienta imprescindible para

    poder adaptar una foto frontal a un rectángulo deformado por la perspectiva.

    Esta imagen de pendiendo por  donde se mire da más sensación de movimiento o menos.

     

     

     

     

      La imagen según que posición ocupe en el plano  tendrá más o menos importancia , atraerá  más o menos la atención.

    En este esquema observamos que la imagen que coloquemos en este plano superior entre las líneas gruesas azul y verde llamara más la atención, que si

     la colocamos entre las líneas imaginarias  verde y azul  del plano inferior.

                  

     

    LÍNEAS SINÉTICAS

    Líneas cinéticas, estelas y rastros.

    Las imágenes de las viñetas son estáticas, para movimiento , vida, a los personajes se utilizan las líneas cinéticas.

     

     El gato da un salto de sorpresa y la línea cinética que describe ese salto es de muelle. El guardia está corriendo y sus líneas de movimiento se reducen a las del pie izquierdo.

     MEZCLA DE POSTURAS SIMULTÁNEAS Y LÍNEAS SINÉTICAS.

    En la imagen parecen muchos pájaros, pero son dos o tres nada más, pero pasan rápido, las líneas son el aire o también puede las rayas que van dejando.

     POSTURAS SIMULTÁNEAS.

    Los triángulos: hay tres tipos.

    -Equilátero: tosos los lados son iguales. Equilibrio tota.

    – Eje sentito central y simétrico. Dinamismo.

                           

    -Isósceles: dos lados iguales.

    -Escaleno: ningún lado igual.

     

             

    La conclusión que se puede sacar de los distintos elementos de la forma es que dependiendo de la posición y el eje sentido de las figuras, estas serán más o menos dinámicas

     

     

    EL COLOR

    El color tiene distintas dimensiones:

                            

    – Matíz o croma: es el color, loque normalmente conocemos por color.       
    -Saturación: es la pureza del color (cuanto más blanco tenga menos saturado estará).
    -Brillo: mide la oscuridad del color. El color que refleja más luz es el amarillo, al que sigue el blanco, el que menos luz refleja es el negro. 

     

    Hay dos tipos de colores, según la luz y la materia:

     

    Los colores primarios: Rojo, verde y azul.

    La unión de los tres colores ,es el color blanco.

                         

    Los colores primarios materia: amarillo, cyan y magenta. 

    La unión de los tres , es el color gris oscuro.                                                         

                      

     -La suma de dos de estos colores da lugar a los colores secundarios: verde, naranja y violeta.

      

           

    -También hay colores terciarios, resultantes de la unión de dos secundarios.

     COLORES CÁLIDOS  Y FRÍOS.

    -Colores cálidos: amarillo, rojo y naranja.

    -Color frío: azul.

               

    Valor perceptivo de los colores:                                                

    – Los colores cálidos, normalmente, se ven más grandes y más cercanos (se expanden).

    -Los colores fríos, normalmente, se ven más pequeños y más lejanos (se contraen).

    -Todo color primario tiene su complementario, que se forma mezclando los otros dos complementarios.

    Por ejemplo, el complementario del cyan resulta de la unión del amarillo y del magenta (naranja)

    Los colores cálidos tienden a reflejar más la luz, mientras que los fríos la reflejan menos.

     

    Con  la unión de distintos colores se percibe  una forma más “bonita”, hay una serie de armonías elementales:

    -Tonales: se convierten todos los colores en variantes de un mismo color.

    -Contraste: los colores complementarios son los que forman lo que percibimos, produciendo equilibrio entre sí.

    -Combinaciones: como puede ser la combinación de colores complementarios.

    Los colores transmiten sensaciones y significados, pudiendo llegar a cambiar nuestra percepción y nuestro ánimo.

    Por ejemplo el rojo transmite nerviosismo, el verde, rosa y azul nos relajan y el gris nos da sentimientos deprimentes.

    Todo esto tiene un valor cultural, por ejemplo el negro en España es el color de luto mientras que en la India el color de luto es el blanco que para nosotros es paz.

     Ejemplo :esta habitación pintada de color rojo transmite nerviosismo e inquietud.                                   

                          

     

    PESO VISUAL

    El peso visual es la capacidad que tiene un elemento para llamar la atención del espectador. Hay distintos factores que influyen en el peso visual:

    -La forma: lo vertical y las cosas regulares suelen tener más peso visual que lo horizontal o que las cosas irregulares..

    – El tamaño: lo mayor tiene mayor peso visual que lo más pequeño.

    -La cantidad: lo que tiene un mayor número de elementos o lo más complejo tiene mayor peso visual que lo que tiene pocos elementos o algo sencillo.

    – El color: lo que posee colores más cálidos, más brillantes o más saturados, tiene mayor peso visual.

    – El contraste: tiene mayor peso visual lo que tiene más contraste.

    – Lo excepcional: todo lo excepcional tiene mayor peso visual. Ya que todas las miradas se centran en ello.

    -Lo atractivo: instintivamente nos fijamos más rápidamente en lo que más nos gusta, en lo más atractivo.

    -El ritmo interno, movimiento: nos fijamos en primer lugar en algo que da la sensación de que se está moviendo.

                                                                        

     

    La imagen:

    Formas dinámicas, ritmos y composición.

    -Composición: las imágenes están formadas por muchos elementos. Normalmente se intentan poner en el campo gráfico de tal forma que estos elementos se compensen entre ellos, realizando una composición equilibrada. Para llegar a esta composición equilibrada se ha creado la “ley de la balanza”, que dice que cuando situamos el mismo peso a ambos lados de la balanza, ésta queda equilibrada. Cuando se habla de peso en el caso de las imágenes es referido al peso visual.

    -Composición clásica: con pesos idénticos a ambos lados, esta composición es simétrica, estática, equilibrada y muy aburrida, por lo que no se usa mucho. A esta composición se le denomina composición simétrica o clásica aunque sus elementos sean muy dinámicos.

    DINÁMICA DE LAS FORMAS:

    El círculo: carácter muy dinámico, es una curva cerrada que produce movimiento. Pero es equilibrado pues establecemos su eje  vertical.

     

    Curvas cerradas: son dinámicas y su equilibrio depende de sus ejes.

         

     

    Puede coincidir distintos formatos combinados entre sí.

                 

     

            

    TEMA 1

    diciembre 8, 2008

    PERCIBIR, MIRAR, VER. PODER CONTAR, NO TENER MIEDO

    A) LOS SENTIDOS

    VISIÓN:

    El origen de la percepción visual es la luz: EL SOL ( luz blanca y abundante).

    Otras fuentes de luz : la vela, el fuego, la bombilla etc…. ( luz no blanca y menos intensas).

    Nota:

    – Distintas longitudes de ondas que reflejan la luz blanca dan lugar a los colores.

    – La luz se propaga en línea recta.

    CONCECTO DE DE REFLESIÓN: La luz que incide en los objetos y es reflejada (toda o en parte) hasta llegar a nuestros ojos,dependiendo del espectro donde se refleje veremos un color u otro.

    ÓRGANO DE LA VISIÓN: EL OJO

    La parte del ojo que ve los detalles del objeto se llama FOVEA.

    Através de los dos ojos se produce la visión estereoscópica:

    La visión estereoscópica es la visión binocular (dos ojos) de un objeto, produciendo la sensación de una imagen en tres dimensiones, al ser procesadas por el cerebro a la vez las dos imagenes que captan las retinas oculares. Puesto que los campos de visión están superpuestos en gran parte para obtener este efecto, nada más el área superpuesta permite la visión tridimensional.

    Por esto hace falta tener las órbitas oculares frontalizadas, puesto que de este modo el área de incidencia de la visión de ambos ojos es prácticamente idéntica, permitiendo una visión tridimensional de casi la totalidad del espacio visual. Es pues un tipo de visión que pierde amplitud de campo por ganar profundidad de campo.
    Por lo tanto, si cogemos o creamos dos imágenes tomadas desde ángulos ligeramente diferentes y las mostramos por separado a cada ojo, el cerebro es capaz de reconstruir la distancia (y por lo tanto la profundidad) analizando la disparidad o el paralelismo entre estas imágenes. El cerebro humano también usa otras señales de profundidad para percibir las tres dimensiones, tales cómo:

    En la visión intervienen factores exteriores( ESTIMULOS) y factores subjetivos e interiores (PERCEPCIÓN).

    (Información wikipedia)

    OTROS CANALES DE PERCEPCIÓN:

    EL TACTO

    El sentido del tacto permite percibir cualidades de los objetos y medios como presión, temperatura, suavidad, aspereza, etc…. dicho sentido se percibe através de la piel en la cual se encuentran receptores que gracias a los estímulos impulsan la infomación que se interpreta en el cerebro .El sentido del tacto es muy importante para distinguir la masa, densidad o textura.

    OTRAS FORMAS DE PERCEPCIÓN DEL ESPACIO: AREAS DE ESTIMULACIÓN.

    Somática: toma el cuerpo como órgano perceptivo, en especial la piel, es decir unidad corporal límite externo, separación, amplitud, etc….

    Vibratoria: percepción interna, densidad, volumen, etc…..

    Vestibular: se produce en el oido interno de donde parte la información que nos permite orientarnos en el espacio y nos aporta el equilibrio (posición del cuerpo en relación al espacio y equilibrio).

    B) EL CEREBRO INTERPRETA LO QUE VE.

    Ver es más que percibir através de los sentidos.

    Lo que vemos es el resultado del  proceso físico de  visión y del proceso neuronal de interpretación y construcción de lo que vemos.

    – Reconocemos lo que vemos por que lo comparamos con ” esquemas” que se encuentran en nuestro cerebro, dichos esquemas son los modelos ( pattern ). El esquema es lo que nos hace reconocer el objeto.

    El cerebro tiene tanta capacidad para reconocer esquemas que permite, que el arte pueda ser muy imaginativo.

    EL CEREBRO NOS PERMITE TENER CONCEPTOS PERCEPTIVOS UNIVERSALES.

    NOTA:

    Lo que vemos no es la realidad sino la realidad para la que el ser humano esta preparado.

    Ejemplo: Para ver un ovulo fecundado necesito un microscopio, aparato que nos permite ver lo que no somos capaces de ver, esto mismo nos ocurre con la ralidad, pués no somos capaces de verla en multitud de ocasiones.

    ” El cerebro ve mas que lo que ven los ojos ”

    TANTO EN LA VISIÓN COMO EN LA PERCEPCIÓN INFLUYEN FACTORES: LAS LEYES DE GESTAT O LAS ILUSIONES ÓPTICAS

    Las leyes de Gestalt.

    Estas leyes enuncian principios generales, presentes en cada acto perceptivo demostrando que el cerebro hace la mejor organización posible de los elementos que percibe, y asimismo explican cómo se configura esa “mejor organización posible” a través de varios principios: Las leyes de la gestalt.

    La percepción se efectúa en forma de “recortes”; percibimos zonas del campo perceptual en las que centramos la atención y a las que llamamos “figura” y zonas circundantes que quedan justamente en un plano de menor jerarquía a la que denominamos “fondo”. Este fenómeno tiene que ver con la anatomía del ojo, cuya  retina en su zona central posee  una mayor cantidad de receptores que en la zona periférica lo que ofrece una zona de mayor definición. de la misma forma funciona la conciencia, con un foco al que llamamos “figura”. El conjunto figura-fondo constituye una totalidad o gestalt. Esto significa que no existe figura sin un fondo que la sustente (aunque el fondo justamente esté constituido por un espacio vacío. Según el lugar donde posemos la atención pueden emerger diferentes figuras desde lo que antes era fondo.

    LEYES

    LEY DE PROXIMIDAD:cuando las partes de una totalidad reciben un mismo estímulo, se unen formando grupos en el sentido de la mínima distancia.Esto se produce de manera automática, por resistencia del perceptor o por otra ley contradictoria pudiendo anularse esta lectura.

    Ley de proximidad.

    Cuando las partes de una totalidad reciben un mismo estímulo, se unen formando grupos en el sentido de la mínima distancia. Esta ordenación se produce de modo automático y, sólo por una resistencia del perceptor, o por otra ley contradictoria, puede anularse esta lectura.

    LEY DE IGUALDAD: cuando se juntan elementos de diferentes clases, se suele agrupar los que son iguales.Si ademas tienen distinto color resalta más la desigualdad o la igualdad.

    Ley de igualdad o equivalencia

    Cuando concurren varios elementos de diferentes clases, hay una tendencia a constituir grupos con los que son iguales. Esta experiencia la presentamos aislada, para evitar la influencia de otras leyes y por ello están equidistantes todos los elementos integrantes. Si las desigualdades están basadas en el color, el efecto es más sorprendente que en la forma. Abundando en las desigualdades, si se potencian las formas iguales, con un color común, se establecen condicionantes potenciadores, para el fenómeno agrupador de la percepción

    LEY DE PRAGNANZ: es la tendencia de una forma a ser más regular, simple, ordenada, memorizable, e.t.c……

    Ley de Prägnanz (Ley de la buena forma y destino común)

    Prägnanz es palabra alemana de difícil traducción. Si la traducción es difícil no menos es su significado. Quiere decir como “forma que transporta la esencia de algo”. La tendencia a Prägnanz la usan los sicólogos de la Gestalt como la tendencia de una forma a ser más regular, simple, simétrica, ordenada, comprensible, memorizable… Por eso nosotros la asociamos a la expresión de “buena forma” o “formas con destino común”. Por otra parte, lo que los sicólogos están esclareciendo durante el último siglo, los artistas visuales lo venían practicando desde siempre; hasta en épocas de gran realismo mimético el artista entorna los ojos ante el modelo con la finalidad de captar lo esencial de las formas.

    Las partes de una figura que tiene “buena forma”, o indican una dirección o destino común, forman con claridad unidades autónomas en el conjunto. Esta ley permite la fácil lectura de figuras que se interfieren formando aparentes confusiones, pero prevaleciendo sus propiedades de buena forma o destino común, se ven como desglosadas del conjunto.

    El concepto de “buena forma” no es una creación convencional, sino que responde a  exigencias innatas y muy profundas, arraigadas en todos los individuos y que produce una percepción selectiva de las formas. Hay en todo receptor una tendencia natural a la simplificación, la simetría, el equilibrio, el cierre, el orden, etc., que le facilitan el recuerdo de lo percibido. Se da en todo conocimiento humano una tendencia retentiva a la síntesis, al esquema, al resumen. El hombre se vale de estas simplificaciones por verdadera necesidad operativa, perdiendo los matices del análisis y quedándose con el argumento global de las cosas

    LEY DEL CERRAMIENTO:las líneas que circundan una superficie son, captadas más fácilmente, como unidad o figura, que aquellas otras que se unen entre sí. Tanto las circunferencias, ciadrilateros y triángulos, dan efecto de cerramiento.

    Ley del cerramiento
    La línea sabemos que es una creación del dibujo, una abstracción, y es difícil encontrarla aislada en la naturaleza, por ello, siempre se asocian al límite de una superficie, formando su contorno. Las líneas del dibujo, que aquí utilizamos para nuestras demostraciones, hay que considerarlas como elementos abstractos predispuesta a cualquier fin, y no con la significación que le da Wölfflin en el arte, quien la considera en oposición al estilo pictórico.
    Las líneas que circundan una superficie son, en iguales circunstancias, captadas más fácilmente como unidad o figura, que aquellas otras que se unen entre sí. Las circunferencias, cuadriláteros o triángulos producen el efecto de cerramiento. Esta nueva ley parece ser operativa porque señala el hecho de que las líneas rectas paralelas forman grupos más definidos y estables que los puntos, que delimitan peor un espacio.

    LEY DE SIMETRÍA: desborda el campo de la percepción de las formas para construir unos de los fenómenos fundamentales de la naturaleza. La química, la física, las matemáticas, etc…, se organizan siguiendo las leyes especulares, simples o múltiples de la simetría.

    Ley de simetría

    La ley de simetría tiene tal trascendencia, que desborda el campo de la percepción de las formas para constituir uno de los fenómenos fundamentales de la naturaleza. La biología, la matemática, la química y la física, y hasta la misma estética, se organizan siguiendo las leyes especulares, simples o múltiples, de la simetría.
    Es ley muy arraigada en el ser humano, cuya propia estructura fisiológica, también es simétrica, con una simetría especular sobre un plano vertical que lo divide en izquierda y derecha, pero no de arriba-abajo. Del mismo modo, en animales y plantas existen leyes de simetría que ordenan las partes respecto a uno o más ejes. Y no sólo es el entorno natural visible, sino que el macro y el microcosmo parecen regirse por leyes de simetría.

    Los fenómenos que se derivan de estos hechos proporcionan material suficiente para investigar sobre esta ley universal de la simetría. Porque si de las cosas naturales pasamos a las obras realizadas por el hombre, vuelve a chocarnos esta persistente forma que va desde el templo griego, pasando por las catedrales góticas, a las obras más avanzadas de la ingeniería naval o aerodinámica. Quizás sea la gravedad, el equilibrio, la aerodinámica y otras leyes, las que impongan necesariamente esta forma funcional, pero también tenemos que tener en cuenta tantas obras cuyas simetrías no tienen justificaciones funcionales.

    LEY DE CONTINUIDAD: esta ley se constituye con elementos comunes a otras de las leyes anteriormente citadas.

    Ley de Continuidad, familiaridad, estado.

    Grupos flojos, figuras completas e incompletas, formas concretas y objetos sólidos, todos son gestalten. En la experiencia perceptual hay una tendencia a que los miembros constituyan grupos, a que las figuras incompletas se completen, definan y precisen, y a que el campo total sea organizado en figura y fondo. Mediante estas capacidades, la percepción es un proceso que busca un estado de equilibrio, donde las formas alcanzan un máximo de estabilidad y la organización total es más completa. El hecho de ver dos líneas como un par no puede explicarse tomando las líneas separadamente ni analizándolas en partes. Es la disposición del campo total lo que determina que sean vistas en pareja. Las gestalten no son estructuras rígidas, y muestran diferentes grados de estabilidad. (wikipedia)

    LEY DE FIGURA -FONDO: es la ley de mayor fuerza de las expuestas, puesto que abarca a todas las demás, pués de observa que muchas formas sólo se constituyen como figuras definidas cuando quedan superpuestas o recortadas sobre un fondo más neutro.  dibijo de superposicion.

    Ley de figura-fondo

    Esta ley perceptiva de figura-fondo es la de mayor fuerza y trascendencia de las expuestas, porque puede considerarse que abarca todas las demás, ya que en todas late este principio organizativo de la percepción, observándose que muchas formas sólo se constituyen como figuras definidas cuando quedan como superpuestas o recortadas sobre un fondo más neutro.

    El planteamiento figura-fondo tiene especial importancia para nuestro estudio sobre la percepción y posterior representación del espacio pictórico. Estas experiencias siguen siendo sobre formas planas, pero al presentarse unas figuras que están “sobre” un fondo, se obtiene una percepción “en profundidad”, que traslada la figura a un primer término, fuera del plano real de la representación, y deja el fondo a cierta distancia indefinida. Se organiza así, con simples formas bidimensionales que operan en el plano, una nueva dimensión de RELIEVE que se estructura en la dirección perpendicular al plano.

    -ILUSIONES ÓPTICAS

    Ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la vista, que nos lleva a percibir la realidad erróneamente. Éstas pueden ser de carácter fisiológico asociados a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro (brillo, color, movimiento, etc como el encandilamiento tras ver una luz potente) o cognitivo en las que interviene nuestro conocimiento del mundo (como el Jarrón Rubin en el que percibimos dos caras o un jarrón indistitamente). Las ilusiones cognitivas se dividen habitualmente en ilusiones de ambigüedad, ilusiones de distorsión, ilusiones paradójicas e ilusiones ficticias (alucinaciones). (wikipedia)

    Jarrón Rubin. Percibimos figura y fondo de manera reversible

    Increíblemente, el cuadrado A es exactamente del mismo color que el cuadrado B

    No están sometidos a la voluntad y pueden variar entre una persona y otra, dependiendo de factores como: agudeza visual, campimetría, daltonismo, astigmatismo y otros.

    Entender estos fenómenos es útil para comprender las limitaciones del sentido visual del ser humano y la posibilidad de distorsión, ya sea en lo relativo a la forma, el color, la dimensión y la perspectiva de lo observado.

    Muchos artistas han aprovechado las ilusiones ópticas para dar a sus obras un aspecto mágico, de profundidad, de ambigüedad y contrastEl cine también produce una ilusión óptica, ya que una película consiste en una serie de fotografías que al ser proyectadas, dan la sensación de movimiento aparente. Los efectos especiales de las películas, también se basan en ilusiones ópticas. (wikipedia)

    Son cosas que vemos aunque no esten, esto nos demuestra que el cerebro ve más de lo que hay.

    TIPOS DE ILUSIONES:

    -ILUSIONES OPTICAS:  TAMAÑO

    -ILUSIONES ÓPTICAS: DIRECCIÓN- POSICIÓN

    -ILISIONES ÓPTICAS: CURVATURA

    -ILUSIONES ÓPTICAS: MOVIMIENTO

    -ILUSIONES ÓPTICAS. CONTRASTE Y POSTIMÁGENES

    -ILUSIONES ÓPTICAS: CONTRASTE Y COLOR

     

    OTROS FACTORES QUE INFLUYEN EN LA PERCEPCIÓN:

    Aspectos no conscientes: recorrido de la mirada, perjuicios, contenidos subliminales, factores que ajetivizan, etc…

    La famosa productora infantil Disney también ha sabido colocar mensajes subliminales tanto en sus publicidades como en sus películas. Lo peor del asunto, sus películas son, por lejos, las que mayor contenido subliminal poseen, por sobre otras marcas o publicidades.

    la-sirenita.jpg

    ATENCIÓN DE RECLAMOS; PUBLICIDAD: PRESTAR ATENCIÓN A LO PROVOCADOR

    -Aspectos culturales:modos de pensar la realidad, códigos y sibología asumidas inconscientemente, contextos, etc …..Poro la realidad de la nieve a veces es terrible, a diferencia de lo que se ve en estas imágenes.

    -Aspectos subjetivos: a veces estan influenciados por aspectos culturales.

    NAZARENOS                     KUKUS KLAN

    -Creencias, miedos, ideólogia, vivencias, etc…UTILIZACIÓN INTELIGENTE DE LA PERCEPCIÓN.

    C) LA PERCEPCIÓN COMO FENOMENO INTELIGENTE.

    PERCIBIR: recibir algo( dinero), percibir por los sentidos, comprender o conocer algo.

    Vemos desde la cultura y el lenguaje, vemos lo que sabemos.

    LOS PERSONAS HEMOS INVENTADO LA PALABRA  Y CONCEPTO DE PRIMAVERA Y LA VEMOS  COMO EN LAS IMAGENES ANTARIORES, PERO EN REALIDAD EN LA NATURALEZA NO HAY SEPARACIÓN ENTE LAS ESTACIONES Y SOMOS NOSOTROS QUIEN LE PONEMOS EL NOMBRE.

    La mirada es resultado de la inteligencia y voluntad.

    No podemos saber lo que otra persona ve, una misma imagen se pude ver de varias maneras según quien la mire.

    VEMOS DESDE EL SIGNIFICADO.

    VALORES DE LA FORMA:PERCIPERE (recoger)

    Mirando extraemos datos de la realidady de nuestro alrededor cactamos lo que nos interesa, dependiendo de nuestros deseaos y proyectos.

    VER ES ESCOGER E INTERPRETAR.

    Los niños aprenden pronto a escoger de su entorno lo que les interesa, a planificar y a ver.

    Los niños através del dibujo selecionan lo que quieren ver o lo que les gustay lo que necesitan expresar .

    Devemos enseñar a los niños a  ver más, con más atención, a que miren bien y a que interpreten lo que ven con conocimiento para  conseguir que aprendan por ellos mismos a ver.

    D) HACIA UNA MIRADA CREATIVA, INVESTIGADORA.

    Una de las posibilidades de la mirada es poder ser creadores.

    Según lo que busquemos y miremos, encontraremos más cosas y más posibilidades de ver, sino atendemos a nada no encontraremos nada.

    EL DIBUJO NO ES LA FORMA, SINO LA MANERA DE VER LA FORMA.

    EL ARTE NO REPRESENTA, SINO QUE SE HACE VER. REVELA.

    POUL KLEE

    NUESTRA LIBERTAD DECIDE.” VISIÓN POÉTICA” O CREADORA.

    LA MAYORÍA NO DE LAS PERSONAS NO ENCUENTRAN NADA BELLO Y DEBEN SABER ENCONTRAR TODO LO BELLO QUE HAY A NUESTRO ALREDEDOR.

    Lo profesores deben tener una mirada investigadora y ayudar a los alumnos a construir la suya y a contolarla.

    VICENT VAN GOGH.             DEGAS.

    E) OBJETIVOS FUNDAMENTALES PARA PODER CONTAR Y CREAR

    LAS PERSONAS TIENEN MIEDO A TRABAJAR CON ARTE, PIENSAN ¿ SE DIBUJAR?, ¿TENGO CREATIVIDAD?, ¿ENTIENDO DE ARTE?…….

    HAY QUE PERDER EL MIEDO, TODOS PODEMOS MIRAR BIEN, SER CREATIVOS, NO DEVEMOS TEMER AL REALISMO Y A LAS TÉCNICAS.

    TODO EL MUNDO ES CREATIVO POR NATURALEZA, PODEMOS HACER BUENAS IMÁGENES.

    Figuras de Cristo en bronce, chocolate, arena …….

     

     

    Ideas principales tema 0

    octubre 23, 2008

          

    INTRODUCCIÓN A LA  EA

    Comenzamos la clase  con la 1º prueba a realizar:                   

     Anotamos cuales son las asignaturas que un niño de primaria debe aprender, destacando a mi parecer:

    -Matemáticas                            – Ciencias Sociales               

      – Plástica                                     – Informática

    -Lengua                                     – Idiomas (Inglés)                               

     Lo más importante que debe peguntarse  un maestro/a , a la hora de enseñar las distintas asignatura es:

    ¿ Qué es lo que quiere enseñar , por qué y para qué ?

    Hay que tener en cuenta que  el sitema educativo actual no atrae al estudiante sino que lo aburre, por ello el prefesor debe intentar conectar con sus alumnos utilizando métodos educativos innovadores , que les atraigan y  sorprendan . Los libros de texto deben ser una herramienta de trabajo complementaria ,no indispensable. 

    La siguiente pruba consite en dibujar una silla:

                             http://dulidu.awardspace.com/tag/maui/

    Comprobamos que al dibujar cada compañero la suya, eran todas diferentes, esto me lleva a la conclusión que todos tenemos pensamientos distintos e ideas diferentes , un mismo dibujo puede ser subjetivo y tiener una base común ( en este caso de una a cuatro patas, un respaldo……..)

    Anotación: la realidad es relativa y la de los alumnos puede ser distinta a la de los profesores.

    Todas las opiniones son validas y a tener en cuenta pues todos aprendemos de todo y de todos. 

    Tercera y ultima prueba:

    ¿Para que sirve la educación Artística?

    La educación plástica y visual sirve para adquirir una visión mas amplia del mundo que nos rodea y poder llevarla a la práctica.

    LAS ARTES VISUALES

    Las artes visuales representan imágenes y expresan sentimientos, ya sea por medio del dibujo, la pintura, la escultura, el cine, la fotografía, la arquitectura o el diseño por computador. 

    Artes visuales tradicionales

    DIBUJO

    Podría afirmarse que el dibujo es el lenguaje universal porque sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que todos entiendan de modo gráfico. Hay dibujos que son reconocidos casi universalmente a los que se llama símbolos. Ejemplos de éstos son las señalizaciones que prohíben fumar, signos que diferencian géneros o señales de peligro o advertencias en las que se utiliza el lenguaje gráfico como un modo más directo y eficiente de entregar el mensaje. (información wikipedia)

    El dibujo se considera como el lenguaje gráfico universal, utilizado por el hombre  para transmitir sus ideas, proyectos y en un sentido más amplio su cultura.

     

    ESCULTURA

    Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales, figuras en volumen. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la alfarería.

    A lo largo de la mayor parte de la historia de la humanidad, la mayoría de personas eran iletradas, y la escultura cumplió también una función didáctica o pedagógica, para explicar al pueblo determinados acontecimientos o conceptos. Así, en la Edad Media, en la época del arte románico, es frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de las portadas como «catecismos pétreos» o «biblias en piedra», ejecutados para ilustrar a la población analfabeta.

    La función ornamental puede estar ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos anicónicos, como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental. También en gran medida la escultura del siglo XX, sobre todo la abstracta, cumple principalmente esta función.

    Los antiguos griegos y romanos plasmaron en sus estatuas su concepción de ‘belleza ideal’, aunque la escultura como obra de arte, con valor propio, es un concepto moderno. (wikipedia)

    En esta escultura, se aprecia el arte de tallar, esculpir o moldear.

     

    PINTURA

    Más allá de toda especulación o tendencia en las artes visuales, la pintura artística, se diferencia de cualquier otro tipo de pintura, en que su práctica no corresponde necesariamente a una demanda, sino a la búsqueda personal de un mensaje visual, que trascienda al material usado en sí, emergiendo detrás de las formas y los colores y sus tonalidades, un contenido que invite al espectador a explorar un camino que se recorre a través de las manos del mismo pintor. Siempre basándose en las técnicas elementales de la pintura como lo es la composición, el equilibrio, ritmo, forma, color y valor.

    La pintura es la expresión de ideas, pensamientos y sentimientos en el papel, madera, paredes etc. Para esto el pintor necesita una habilidad para pintar y además una situación en que se base, es decir, un conflicto, problema, o situación en la que este se encuentre. (wikipedia)

     

    Las artes visuales, es el medio que mas información transmite.

    Las imáges muchas veces nos pueden manipular ,ideologizarnos, por eso tenemos que adquirir un alfabetismo visual crítico (analizar, interpretar y evaluar las imágenes) para enseñar al alumno a comprender las imágenes, para que lo visual no le influya negativamente. 

    En esta imagen parece que el paracaidista va a caer al agua y ser devorado por un cocodrilo, pero  también pude ser que este sacando una foto y se pro yecte su sombra. 

    Es importante que niños y jóvenes sean capaces de crear propuestas, construir conocimientos y narrar, mediante imágenes y recursos visuales abordando las nuevas tecnologías de la imágen.

                   

    NARRAR , IMAGEN, CONOCIMIENTO…….. 

     

              

    Es importante que las persona  en el siglo xxI  sepan narrar a través de la imagen pues al no ser así se consideraran analfabetos; para concebir el mundo,  es necesario conprender lo que ves y poder narrarlo. 

    Por lo tanto, para no tener una sociedad en el siglo xxI de analfabetos es necesariao comenzar desde ya a impartir  las clases desde educación infantil utilizando el arte visual. 

    LA CREATIVIDAD

    La creatividad, todavía, es un tema muy vago y confuso, que parece abarcar una enorme cantidad de actividades y personas. Ser creativo significa, literalmente, hacer algo que antes no existía ,y creatividad es la facultad para crear

     La palabra “creatividad” abarca una amplia gama de destrezas y competencias diferentes. Y nos vamos a preparar para cambiar conceptos y percepciones.

         Concepto: Idea, representación mental de una realidad, un objeto o algo similar.- Pensamiento expresado con palabras.- Opinión, juicio, idea que se tiene sobre algo.- Aspecto, calidad, título.

         Percepción: Sensación interior que resulta de una impresión material, captación realizada a través de los sentidos.

         Conocimiento, aprehensión de conceptos e ideas.- percepción extrasensorial. La que se produce sin mediación normal de los sentidos.

    La creatividad es un factor necesario para  expresar libertad y felicidad.

    Las artes visuales contibuyen a tener mayor creatividad y contribuyen a desarrollar el pensamiento.

    Esta imagen es creadora y te hace pensar.

     

    RELEVANCIA DE LAS ARTES VISUALES EN LA COGNICIÓN

    Las artes visuales influye positivamente en una mayor capacidad de aprendizaje, aumenta la cacidad para desarrollar conceptos y relaciones.

    Los niños y jóvenes deben aprender a interpretar y a construir  através de la imagen, teniendo en cuenta que puede aportar distintos significados.

    La gran mayoria de los niños utilizan el dibujo para expresarse y comunicarse, por eso el docente debe aprovechar los dibujo de los niños pues permite observar el desarrollo emocional y cognitivo del alumno.  

     La práctica de las artes visuales contribuyen positivamente en la psicomotricidad infantil.

    El dibujo y el desrrollo de la capacidad plástica es un estímulo para que el niño/a sea capaz de dar sentido a lo que le rodea y poder dar una explicación con mas claridad.

    En este dibujo un niño ha pintado a dos adultos fumando , con esto nos quiere decir que no le gusta que se fume a su alrededor, pues seguramente lo ve en personas cercanas y quizás sea la forma que tiene de expresar  lo que siente, utilizando el dibujo.

     

     

    LA IMAGEN: PUBLICIDAD

    La forma ,contenido y función de una imagen es importantisimo que esten en armonía pues de hay sacaremos conclusiones positivas o negativas, para que el producto tenga más aceptación en un mercado muy competitivo.Una buena imagen dice más que mil palabras

    PUBLICIDAD DE ANTES

    La publicidad ha existido desde hace muchos años pero la caliadad  la expresividad de hoy en día es muy superior y las imágenes son mas dinamica, frescas etc……

    PUBLICIDAD DE AHORA

    VIDEO DE PUBLICIDAD DE COCA COLA

    La publicidad es una técnica de comunicación masiva, destinada a difundir o informar al público sobre un bien o servicio a través de los medios de comunicación con el objetivo de motivar al público hacia una acción.

    A través de la investigación, analisis y estudio de numerosas disciplinas; tales como: la psicología, sociología, antropología, estadística, y la economía que son halladas en el estudio de mercado se podrá desarrollar un mensaje adecuado para el público. (wikipedia)

    La publicidad engañosa es aquella que, de cualquier forma -incluida su presentación-, induce o puede inducir a error a sus destinatarios, puede afectar a su comportamiento económico o perjudicar o ser capaz de perjudicar a un competidor. La ley también entiende por engañosa la publicidad que silencia datos fundamentales de los bienes, actividades o servicios, siempre que dicha omisión induzca al error a los destinatarios.